::atril de sastre::

::al contrario que el placer, el dolor no lleva máscaras::

2009-04-21T23:39:00.002+02:00

20 de abril de 2009, CDMC, Auditorio 400

Mauro Bortolotti, Foglie; Daniel Amadeo Zimbaldo, Cartas desde el Real Hospital de Lunáticos; Luca Lombardi, Come d´autunno; Jesús Rueda, L´infinito (2nd version); Roberto Gerhard, Libra. Logos Ensemble; Tonino Battista (director); Catharina Kroeger (soprano); Electroacústica LIEM.

Encabezamos nuestra crítica con una de las más dolientes citas del De profundis de Oscar Wilde; la razón es evidente: el concierto al que hemos asistido hoy ha supuesto, para nosotros, una visita realmente amarga a la sima de la existencia humana. Los senderos surcados por cinco compositores de estilos y lenguajes variados han sido el dolor, el recuerdo roto, lo trivial de nuestra duración, con un mar Mediterráneo de fondo y una sombra de esperanza al final del camino (la soberbia Libra de Roberto Gerhard). La metafísica del luto es la metafísica del ser, y así lo adivinan y traducen en música autores italianos e hispanos en obras que han abarcado un amplio marco cronológico, desde el ya lejano 1968 de la pieza de Gerhard, hasta el 2008 del título de Jesús Rueda.

Las hojas (Foglie) que el recordado Mauro Bortolotti encontró caídas en su patio interior, se dibujan en los trazos entrecortados y de sensualidad asmática de una flauta travesera sutil y elocuente. Su obra fascinó en recursos sonoros insólitos como el rasgueado de las cuerdas del piano. Su compatriota Luca Lombardi, por su parte, lloró la muerte de un amigo en 2000, recogiendo estas mismas hojas de la existencia vana en el aforístico Como en otoño, la obra que más convenció al auditorio en su sobrecogedor juego de texturas grises y una muy elegante serialización del material sonoro. Cruzando el mar Mediterráneo llegamos a las Cartas desde el Real Hospital de Lunáticos de Amadeo Zimbaldo, plagadas de referencias extramusicales, y muy sugerente en la utilización de la electroacústica. La soprano Catharina Kroeger se defendió ante una obra comprometida en la modulación de la voz por todos los registros sonoros habidos y por haber (Sprechgesang incluido). La obra sorprendió en sus amplias dimensiones y una desbordante variedad de lenguajes, sin embargo, para su mejor comprensión, hubiera sido muy de agradecer que se hubiesen facilitado los textos cantados de Cela en las notas al programa. Al lado de esta obra central pasó más desapercibida L´infinito de Rueda, pieza de capricho, casi minimalista, y no por ello menos honda y oscura. Sus asperezas tímbricas iniciales se van templando según avanza el tiempo y termina con un solo de clarinete rendidamente humano y luminoso. Libra de Gerhard, tan ecléctica en su lenguaje como intachable en la factura, es un viaje –casi obsceno– a la psiquis del alumno de Pedrell. Dodecafonismo y modalidad neoclásica confluyen en una cósmica sección final en la que los glissandi de los timbales nos hablan de esferas inalcanzables.

No debemos dejar de mencionar al auténtico triunfador de la noche, el Logos Ensemble dirigido por Tonino Battista. La distinción del toque de cada uno de sus solistas y el pulidísimo trabajo de conjunto les sitúa hoy en día como uno de los ensambles de mayor prestigio del panorama musical contemporáneo. Inmejorable fue la actuación de Eugenio Becherucci en la parte de guitarra de Libra, la inestimable flauta de Gianfranco Cellacchi en Foglie o el violín afilado y cortante de Stefania Cimino en L´infinito. El Auditorio 400 (con un generoso 85% de ocupación y con Luis de Pablo, maestro de Zimbaldo y Rueda, entre sus concurrentes), aplaudió a rabiar cinco obras profundas del “ser o no ser”, tocadas con agudeza y brillante pulcritud. Recibamos con una sonrisa el rayo de sol que Gerhard nos lanza desde su constelación, y dejemos por un momento la pátina del dolor en la hoja ya irremediablemente caída.

::adiós a la balalaika de maurice jarre::

2009-03-30T10:22:00.003+02:00

Hoy toca decir adiós a uno de los grandes de verdad. Maurice Jarre ha muerto en Los Ángeles a los 84 años. Con él se va la música de toda una época, el arte de la mejor banda sonora clásica, aquella que se quedaba soñando en los oídos de todos los espectadores y que tenía la capacidad de hacernos evocar mil imágenes y emociones sólo con escuchar unas notas...

Algunas de sus más afamadas bandas sonoras -¡compuso más de 140!- son Sundays and Cybele (1962), Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965), ¿Arde París? (1966), La caída de los dioses (1968), Gorilas en la niebla (1988) o Ghost (1990). Hoy creo que os dejo con su melodía más conocida y emocionante -obviando el vals de Doctor Zhivago, conocido por ser el tema principal del anuncio de la Lotería de Navidad-, se trata del tema de Lara, que hoy suena más triste que nunca.

::henri pousseur, hasta siempre::

2009-03-25T22:52:00.006+01:00

El pasado 6 de marzo nos dejó para siempre Henri Pousseur (1929-2009), una de las figuras más destacadas de la Escuela de Darmstadt y sin duda alguna uno de esos nombres fundamentales que no podemos pasar por alto al hablar de la composición de música electroacústica. Ante esta triste noticia, el Ciclo Electrónica del Auditorio Nacional no ha podido menos que dedicar a la memoria de este autor el concierto sobre música electrónica belga que había diseñado para el 24 de marzo. De Malmedy a Lieja… y de Lieja a Bruselas, Pousseur ha abierto y cerrado el programa con obras que enmarcan, precisamente, el comienzo y el final de su trayectoria: L´air et l´eau de la hoy clásica Trois visages de Liège de 1961, y sus recientes Chamanes sahéliens de la etno-electroacústica Six Paysajes Planétaires de 2000. La música de Pousseur, una vez más, ha vuelto a sonar con humanidad e innegable audacia en los murmullos impresionistas del viento de Lieja o los desconcertantes sonidos callejeros entremezclados con los de la Burkina Faso chamánica.

En este improvisado -y desangelado, por lo escaso del público- “último adiós”, Pousseur se ha podido reencontrar con buenos amigos, como su colega Leo Kupper y su turbador y expresivo díptico Paroles sur lèvres - Paroles sur langue rico en referencias al canto ortodoxo, el gamelán javanés y las sonoridades MIDI. Karel Goeyvaerts, otro clásico en la materia que trabajó en Colonia junto a Pousseur, se ha visto representado por sus Komposition 5 y 7 de 1953, casi inocentes en su trabajo manual para la mezcla de tonos sinusoides puros y atrevidos glisandos que configuran un originalísimo contrapunto fluctuante entre líneas diagonales. La autora Annette Vande Gorne, por su parte, ha insistido más en la exploración estereofónica del espacio en relación al movimiento -con un resultado francamente brillante- en su reciente Figures d´espace (2004), mientras que su alumno Todor Todoroff ha propuesto en sus retorcidos Dédales de 2005 un universo sonoro rítmico ante todo -no en vano se trata de una obra concebida para la danza- y de resonancias grisáceas, casi hostiles.

El concierto fue presentado en bandeja de plata (aunque ni mucho menos podamos hablar de una conferencia como se anunciaba) por el también compositor Ramón González-Arroyo. Éste pronunció unas acertadas palabras en torno a la acusmática que podemos tener muy en cuenta a la hora de valorar la música electroacústica como una “filosofía a través de la difusión del sonido en el espacio”. Se trata de la amplificación de sensaciones, de imágenes que se colorean en el sonido y que requieren que el espectador cierre sus ojos para redondear el proceso comunicativo. Henri Pousseur, y por supuesto sus compañeros belgas, han creado figuras sonoras que se sostendrán mientras exista sensibilidad e interés por la seducción. Hay muchos paisajes y ambientes sonoros por descubrir, recordemos y agradezcamos a alguien como Pousseur que abriese tantas ventanas a la libre fantasía.

Os dejo hoy un fragmento alucinante (¡y alucinado!) de su particular ópera Votre Faust...

::cien años sin ruperto chapí::

2009-03-24T22:21:00.004+01:00

Mañana 25 de marzo se cumplirán cien años desde que nos dejase Ruperto Chapí, el genial compositor que regaló a todos los ciudadanos del mundo músicas tan bellas e inspiradas como La tempestad y La revoltosa, su fantasía morisca La corte de Granada, o sus personalísimos y muy acabados cuartetos de cuerda. Poco se puede añadir a nada que ya se haya escrito sobre él. Chapí fue un autor cuyo primer apellido y baluarte fue siempre la mejor música española y con eso ya se ha dicho mucho. Es ahora momento de recordarle y pensar que gracias a personalidades como la suya (en muchos sentidos oasis en un desierto) pudo ser posible la evolución exponencial de un género como es el de nuestra ópera cómica que en él se hizo más grande si cabe después de los triunfos de los Barbieri, Arrieta y Gaztambide. De Música clásica a Margarita la tornera, de La chavala a La bruja, brindemos por Chapí y volvamos a decir "¡bravo!" al maestro.

Os invito a que disfrutéis de una obra poco conocida de él, su Romanza en la bemol mayor para flauta y piano, una sencilla piececita que Chapí compusiera durante su estancia parisina de beca. Buenas noches...

::los diamantes de la corona francesa::

2009-03-06T00:53:00.005+01:00

"Nació para agradar y agradó" (Malherbe, Auber, 1911)... y así es, Daniel-François-Auber es uno de esos nombres que en su día lograron "agradar" a todo un continente y que sin embargo hoy muy pocos recuerdan. Su importancia para el devenir de la música española es vital en especial para nuestra generación de zarzuelistas de la etapa isabelina (Arrieta, Gaztambide, Barbieri...). Renovador de la opéra-comique, sentó un modelo a seguir en cuanto a conjugación de la escuela lírica tradicional francesa y el aire rossiniano melódico y rítmico al que nadie podía hacer oídos sordos. Sus exitazos fueron mucho: Fra Diavolo, Le domino noir, La mutte de Portici (de nuevo una obra visionaria), Manon Lescaut, Gustave III ou Le bal masqué (obra fusilada para Un ballo in maschera de Verdi)...

Hoy os dejo uno de mis fragmentos predilectos de su ópera cómica Les diamants de la couronne: el coro y balada del primer acto (Nº3-a). Se estrenó en 1841 en París y se basa en un libreto de Scribe. Por supuesto que contó con su fusilamiento zarzuelístico más de diez años después, en este caso arreglado por Camprodón para Barbieri -una de sus más acabadas partituras, por cierto, y que el año que viene disfrutaremos posiblemente en el teatro de la Zarzuela-.

Más sobre Auber aquí.

::josé padilla, músico pop::

2009-02-26T16:11:00.010+01:00

Si hay un compositor en España que responde al modelo del músico popular moderno, cuya obra adquiere matices de difusión masiva incluso más allá de nuestras fronteras, ese es el maestro José Padilla. Su antecedente directo es Federico Chueca, cuya revista de actualidades La Gran Vía logró trascender la órbita madrileña y llegar a los pianos y teatros de medio mundo, de Chile a Turquía, pasando por toda Italia y el Olympia de París en 1896.

Pero regresemos a Padilla. Porque es el músico español que quizá haya hecho más feliz a millones de personas en todo el planeta con sus tonadas, ya publicadas de manera independiente o tejidas en disparatadas tramas de revistas, he decidido no soltar un rollazo y dejarle cantar. Cuelgo distintos vídeos de algunos -¡sólo algunos!- de sus más sonoros éxitos. He intentado localizar versiones más o menos originales o que al menos sean fieles al espíritu de esa música.

No quiero evitar la ocasión de reivindicar la figura de La Mis, es decir, Mistiguett, su musa parisina, la gran vedette del Moulin Rouge para la que adaptó la canción Valencia que en su origen era un coro de pescadores ("Te quiero") de su zarzuela La bien amada. Para ella adaptó también la "java del Barrio Chino" de la revista barcelonesa Charivari que terminó siendo la celebérrima java doudounne cantanda a dúo por La Mis y Jean Gabin. Otros de los vídeos elegidos han sido su delicado cuplé La violetera para su musa española Raquel Méller, la romanza "Princesita" de la opereta La corte del amor (modelo del característico melodismo de Padilla y conocida en inglés como "Little Princess"), el pasodoble 3/4 El relicario y el fado de su tardía revista Ana María que, aunque estrenado por Queta Claver, aquí es interpretado por la última gran vedette, Esperanza Roy.

Versión original, en francés, de Valencia

El hoy recordado two-step de la revue Ça c´est Paris
(¿no recuerda sospechosamente a la canción anterior?)

La apache Java doudounne cantada a dúo

Grabación de El relicario por Raquel Méller

La inolvidable vendedora de violetas de la Méller

Rotundo Kraus en la encantadora Princesita

El fado de la revista Ana María interpretado por la divina Esperanza Roy

Si Schenker se hubiera aplicado a analizar estas músicas seguramente hubiese desistido... seamos sinceros, no tiene "nada", pero lo tiene "todo". Sus armonizaciones son groseramente sencillas, sus estructuras no van más allá del modelo de canción... pero ¿por qué aún nos gustan tanto? Seguramente porque están escritas con el alma de un músico popular y con la elegancia de un compositor de escuela. El almeriense más parisino al que atrildesastre no podía dejar de homenajear.

::¿adiós para siempre, faust-bal?::

2009-02-25T22:37:00.001+01:00

Como cada dos años el tesoro público desciende unos miles de euros y estrenamos en el Teatro Real de Madrid una ópera española que dura una semana y media en cartel y que rarísima vez vuelve a sonar en ningún otro teatro o sala de grabación. Hacemos nuestra la pregunta que formulaba Jorge Fernández Guerra el año pasado en una de las mesas redondas de los Cursos de Verano de la UCM: “¿es este el camino?”... Lo cierto es que no lo creemos. En un teatro que funciona por temporada tradicional y en el que el sistema de abonos es tan notable seguimos apreciando en estos títulos contemporáneos una sala escasa en público que además ya no puede ni desertar en los intermedios que no existen. El montaje de estos títulos, por contra, suelen ser cuanto menos vistoso -espléndido en el caso del ideado por Joan Font de Els Comediants para Faust-bal- y ayuda a mantener la atención de un auditorio que, en términos generales, no entiende bien lo que se les quiere comunicar. Si de verdad se trata de creación contemporánea, de hacer ópera para un público del siglo XXI, no pensamos que un Teatro Real con forma de ataúd sea el lugar o el público adecuado.

Pero hablemos de Faust-bal, una ópera que ha agradado e incluso convencido a escépticos de la música contemporánea a merced de un evidente lirismo plagado de gestos propios del estilo (¿los estilos?) Balada y en la que tienen cabida desde felicísimos ballets a tiempo de vals a recreaciones acongojantes de lamentos madrigalistas. Muchos hemos recordado el convincente The Town of Greed de la Zarzuela de 2007, que ya discurría por este camino feliz de eclecticismo musical posmoderno, tan vistoso como impreciso. Aunque el propio músico insiste en uno de los artículos del libreto-programa de que Faust-bal tiene una música que sigue de cerca al drama expuesto por Arrabal no creemos que se haya pensado en ningún momento en un concepto del drama musical en el que ambas unidades se imbriquen en un todo. Al contrario: la música de Balada nos parece que se limita a remarcar emociones muy externas del libreto y fluye a un ritmo muy distinto al de la parte literaria. Arrabal ha vuelto a hacer de las suyas con una recreación alucinada y en clave feminista del manido mito de Fausto que, eso sí, hace aguas en un final de pretensiones megalómanas y teosóficas que no se toman muy en serio al terminar la función.

La ya citada regia de Font sobre “la poética de la crueldad” ha resultado ideal para dar color y volumen a una obra a la que no le negamos frescura y que estuvo brillantemente dirigida desde el foso por un implicadísimo López Cobos. Cuerpos estables de la casa (coros y orquesta) resultaron más que correctos en la ejecución junto a un cuerpo de baile ciertamente expresivo y que disfrutaba de cada paso sobre el escenario. Entre los solistas vocales cabría citar en primer lugar, por su espléndida intervención, a una Cecilia Díaz que rayó a gran altura en los momentos más cantabiles de Amazona. María Rodríguez disfrutó de su papel protagónico y la encontramos sorprendentemente precisa y aplicada en su poliédrico rol en lo vocal. El Dios de Stefano Palatchi, grave y cumplidor junto al elocuente Mefistófeles de Lauri Vasar hicieron sombra al protagonista masculino de la obra más femenina, el estridente Margarito de Eduardo Santamaría.

Y ahora, ¿qué se supone que hacemos con Faust-bal…?

Antes de que Fausto se conviertiese en Faustina, esto es, en Faust-bal

::tres chapís en el olvido este viernes en conde duque::

2009-02-24T23:00:00.009+01:00

Este próximo viernes día 27 se tocarán en el auditorio del centro cultural Conde Duque tres zarzuelas olvidadas del maestro Ruperto Chapí (1851-1909) y dentro del programa que coordina la conmemoración de su centenario. El equipo encargado de ofrecernos estas nuevas joyitas del villenense será el habituay siempre eficientesde Ópera Cómica de Madrid. La función es a las 19:30, pero las entradas se reparten desde una hora antes y son gratuitas, no hay excusas para no asistir. Recomiendo acudir a eso de las 18:00 porque las colas suelen ser pistonudas.

Las obras a re-descubrir (aunque se trate, como digo, de versiones concertadas con piano) son:

1) Nocturno, zarzuela en un acto, libro de J. Estremera, estrenada en el Teatro Maravillas el 27 de junio de 1890.
2) La calandria, zarzuela en un acto, libro de Ramos Carrión y Vital Aza, estrenada en el Teatro Alhambra el 24 de diciembre de 1880.
3) Guardia de honor, zarzuela en un acto, libro de Eugenio Sellés, estrenada en el Teatro de la Zarzuela el 17 de febrero de 1905.

Leyendo la monografía de Luis G. Iberni sobre el autor de La revoltosa nos comenta que Nocturno se basa en el libreto de L´opera aux fenétres de Halévy, una zarzuela bufa de cuatro numeritos de los que destaca uno que emula musicalmente los viajes en galera, en diligencia y en ferrocarril (que se prepare Honneger). Guardia de honor, por su parte, es ejemplo de ese género chico que con el cambio de siglo se plantea nuevas maneras de hacer para reinventarse a si mismo. El libro de Sellés nos propone un ambiente dieciochesco que Chapí ilustra sonoramente con una música evocadora de la época de Fernando VI y tejida de filigranas. Para acabar, La calandria es una obra muy temprana en Chapí, del año de Música clásica, y en la que se presenta con gracia innegable y ganas de hacerlo pasar bien en el entonces llamado teatro de las Folies Arderius, una última muestra de lo que dio de sí el género bufo inaugurado en Madrid catorce años antes.

¡Nos vemos en Conde Duque!

::¡de los dos, uno! le tocó a él::

2009-02-24T13:45:00.005+01:00

Joaquín Dicenta interpreta a su Juan José junto a la Badillo como Rosa
Teatro Real de Madrid, diciembre de 1910

Más sobre esta representación única del inmortal drama social aquí.

::y por fin... juan josé::

2009-02-23T23:41:00.011+01:00

Llegó, pisó fuerte, nos arrancó el corazón para apretarlo y dejarnos sin aliento con un tornado de la mejor música teatral y un ciclón de lirismo retrechero. Dicenta es Dicenta y Sorozábal es Sorozábal, cada cual a lo suyo aunque juntos en pos de la poética del andamio y de las pasiones extremas. Si la obra teatral original hoy resultaría casi inaceptable sobre las tablas (al fin y al cabo la justificación del crimen del “la maté porque la quería”) la ópera de maestro euskaldún clama a gritos por una puesta en escena. No hubo un Pierrot Lunaire sin La espera y no ha habido un Juan José sin Adiós a la bohemia. ¿Culmen de una carrera? No es eso. La carrera de Sorozábal fue el camino de un genio florecido de obras maestras cada una en su género y en su estilo (Katiuska, La tabernera, La eterna canción…). Juan José es, en definitiva, ejemplo de lo que pudo haber llegado a ser el drama lírico popular español si nuestra desastrosa historia contemporánea lo hubiera permitido. A mí que no me hablen de cánones y en empeños yermos por buscar "la mejor obra de". Superada la barrera de los años esta ópera se sitúa en el puesto que se merece por sus propios méritos, justos e indiscutibles.

¿Cómo es la música de Juan José? Quizá con una única escucha no sea suficiente, pero algunas pistas ya podemos adivinar. Ante todo el declamado, cuidadísimo, una prosa de filigrana en la acentuación de las palabras que favorecía un diálogo continuo, fluido y moderno. Es el rasgo estilístico que más mira hacia el Sorozábal de los años 30, el de Adiós a la bohemia o La tabernera del puerto. Junto a él una disonancia que ya se estructura y sistematiza, que agita al sentido del oído acompañada en ocasiones de la danza popular madrileña (el chotis, la mazurca, la habanera) que se abstrae y esencializa en el discurso de manera muy sugerente, a veces irónico (¿influencia de Stravinsky?) y a veces con la nostalgia del Madrid barojiano de Las noches del Buen Retiro. Brillantísimos resultan en este sentido el dúo-chotis entre Rosa y Paco en el acto I, el racconto-mazurca de Andrés en el acto II o el dúo-habanera entre Juan José y Cano en el tercero. En el reto entre los protagonistas (final del actoI) un amenazante pasodoble en la cuerda grave atemoriza al más plantao, mientras que la flamenca malagueña y la petenera dan sentido y aroma a las escenas de la taberna.

La magia del teatro lírico permite que dos personajes como el Paco y la Isidra sean entendidos de manera muy distinta respecto al original de Dicenta. Sorozábal ha pintado a un Paco chulo pero sentido, de bronce y con alma, no ese mezquino explotador que plantea el dramaturgo maño. La Isidra, por su parte, resulta rotunda en su ritmo de malagueña y cadencia frigia que nos habla de centurias de mala intención y brujería. Pero no todo es aguafuerte y tonos sepias, en el Madrid finisecular angustiado en sus miseria de Juan José, también hay momento para el lirismo y para el canto ancho. En este sentido no podemos dejar de citar los dúos, el ya citado de Rosa y Paco y el gélido y dolido del segundo acto entre los protagonistas. Rosa tiene su momento de expansión cantable en su diálogo con Toñuela e Isidra al comienzo del acto de la guardilla y sería pecado si no citásemos el inolvidable momento de la lectura de la carta y el monólogo consecuente de Juan José.

Y es que el tercer acto es una auténtica gozada, no exagero la nota. La escena de la cárcel Modelo y la del crimen han dejado petrificado a un auditorio que no ha resistido bien la embestida gris del segundo acto, he observado deserciones… ¡ellos se lo han perdido! En cualquier caso el asunto no queda aquí: Juan José debe ser montado. Entre el respetable no he visto ni a A. Moral del Real ni a L. Olmos de la Zarzuela… Esa sí que es una mala noticia. Mucha juventud sí que estábamos presentes, lo que se merece una obra como ésta, y lo más emocionante... el aplauso a la partitura del maestro. Ha sido la clave, el momento de justa memoria que se merecía en su Madrid aquel que cantase en tantas ocasiones y de nuevo en Juan José. Es el momento de decirle por mi parte: “¡Gracias, maestro!”.

P.d.: sobre la interpretación artística no quiero dejar de valorar la parte de Ana María Sánchez que, sencillamente, ha dejado muy pequeños a sus compañeros. Manuel Lanza ha echado la carne en el asador en el último acto conmoviéndonos, mientras que la Orquesta Sinfónica de Musikene las ha “dado todas” con precisión y arrojo. Felicidades a ellos.

Caricatura de J. Dicenta por Cilla en Madrid Cómico
(9-XI-1895)

::estreno mundial del juan josé de sorozábal::

2009-02-22T23:00:00.004+01:00

Sí, es cierto que se estrenó el sábado en San Sebastián, pero mañana será el gran día en Madrid. Cuarenta años después se va a estrenar por fin Juan José en Madrid, la ciudad que Sorozábal conoció y amó como ninguno de su generación en La del Manojo de Rosas, Adiós a la bohemia, La eterna canción, etc. Obras humanas y llenas de verdad. Obras con la mejor música teatral que nunca se pudo esperar de un músico de su género.

Ya veremos qué tal Juan José, no tengo ningún miedo en estar ya casi seguro de que me conmoverá. Lo primero porque amo la música, lo segundo porque soy joven -y hay que ser joven de espíritu para disfrutar y amar- y lo tercero porque tengo fé en Sorozábal, el músico humano, porque leyendo sus memorias uno se da cuenta de que dice verdades como puños, como son las cosas.

Si Juan José no la hemos escuchado todavía no es en absoluto porque sea una obra mala, mediana o pasable, sino porque vivimos en un país donde durante cuarenta años se demolió el edificio de la lírica española prostituyendo la zarzuela y no dejando lugar alguno a la creación de autor, la creación libre de un hombre como Sorozábal, que dijo claro y sin miedo que Jacinto Guerrero -por mucho que me gusta La fama del tartanero- era un analfabeto musical (¡y fue nombrado presidente de la S.A.E.!) y de que F. Moreno Torroba era un solemne canalla que maquinó el fiasco de estreno de La tabernera del puerto en Madrid y que pudo estar detrás de todas las confabulaciones contra Sorozábal en la posguerra y depuración de Autores. Así somos en España.

En la Transición -y quizá hoy- seguimos teniendo en nuestro Congreso a muchos perros de aquella aunque con distintos collares: la música es un "cerdo" a la izquierda, un bonito ornamento, y el arte lírico es un último mono -no, no es la zarzuela de Oudrid- que sólo sirve para pavonearse en el Teatro Real o del Liceu, o para creerse aún de solera y bronce al acudir a la Zarzuela. En países como Hungría, Polonia o Alemania deberíamos mirarnos para avergonzarnos viendo cómo una nación musical como la nuestra, con un patrimonio musical como el hispano, lo cuida tán poco y lo llega a tirar por tierra en ocasiones. En el Real nos gastamos todos los españoles una millonada para estrenar Faust-bal de L. Balada (y ojo, que me ha gustado), mientras que Juan José se va a estrenar en concierto, en el Auditorio Nacional, y por una orquesta de estudiantes, con el respeto del que lo es.

En fin. Con muchos años de retraso llega este Juan José... la verdad es que ya poco o nada me importa si es la obra cumbre o no de su autor, siempre fui enemigo de los cánones y me río de quienes los imponen o que se ponen a pensar en todo estreno "esto me recuerda a fulano o mengano". Me importa este estreno por lo que significa y porque será un día que sé que recordaré toda mi vida. Estamos todos invitados -¡obligados!- a ello.

Más información aquí.

::¿y mañana?::

2009-02-21T07:17:00.002+01:00

And tomorrow the sun will shine again,
and on the path that I shall take
it will unite us,lucky ones,again
amid this same sun-breathing earth.

And to the beach,broad and blue-waved,
we shall climb down quiet and slow,
Speechless we shall gaze each in the other's eyes.
And the speechless silence of happiness will fall upon us...

::de paseo por viena::

2009-02-18T22:33:00.003+01:00

Viena bailó encima de un volcán durante un siglo XIX en 3 por 4 en el que todos los sueños podían encerrarse en un gesto furtivo en el salón de baile. Una mirada con música de Johann Strauss II que vale oro y plata. Ostentosidad y ligereza de un imperio a punto de estallar.

Neu Wien (1870) es símbolo de las ilusiones temporales de un mundo en decadencia, es el grito de alegría antes de la muerte, es su penúltima borrachera. Gocémosla, sintiendo quizás (¡ay!), como dijo Berlioz, que un vals de Strauss es una música mucho más triste de lo que aparenta.

::diamantes para una reina - temporada de la zarzuela 2009-2010::

2009-02-17T13:57:00.004+01:00

Se empieza a rumorear por foros de Internet cuál pudiera ser la relación de títulos que conformase la temporada lírica que viene para el Teatro de la Zarzuela de Madrid (2009-2010). Por ahora sólo hay por seguro que se representará la tantas veces vista Doña Francisquita de Amadeu Vives en este caso con dirección escénica del director de la casa, Luis Olmos. La noticia ers buena si consideramos que dicha producción se llevará también al Gran Teatre del Liceu también para la temporada que viene. Ya era hora de que en Barcelona el teatro de las Rambles se abriese a la zarzuela, una manifestación de teatro lírico que siempre tuvo su lugar en dicha sala como en otras al estilo del Tivoli, Coliseum, Eldorado, etc. Lamentamos en cualquier caso la poca audacia de la empresa, ¿era necesario volver a lo de siempre? En el Palau de la Música, por su primer centenario, se ha escuchado el pasado mes de noviembre ya una versión concertante de la Francisquita... qué poca imaginación y qué facilones son los programadores de Zarzuela y Liceu. Vives fue autor de otras obras grandes con impresionantes partituras como Maruxa o La villana... o mejor, ¿por qué no haber montado una sarsuela catalana de Valls o Morera? Los sueños, sueños son.

Dejando de lado la casi segura reposición de los sempiternos Sobrinos del Capitán Grant en Navidad, o la posible tambien reposición de La tabernera del puerto (qué morrazo tienes, Luis Olmos), parece que se recuperarán Los diamantes de la corona de Barbieri, obra exquisita donde las haya y una de las más representantes de la zarzuela que a mí me gusta llamar "isabelina" por desarrollarse durante los últimos quince años de reinado de Isabel II. Volverán las tramas imposibles de Scribe, de enredos amorosos salpicadas en este caso por huestes de bandidos. Volverán las delicadas melodías con un ojo en Donizetti y otro en Boieldieu de Barbieri... explotará el bolero español a dúo, momento célebre donde los haya de este título.

Después del exitazo de El juramento de Gaztambide -ya hace bastantes años- por fin regresa la mejor zarzuela a su casa madre. Regresa Barbieri y Los diamantes de la corona. El vídeo sin embargo que os dejo no es de este título. Se trata de una rommance preciosa de la opéra-comique de Auber titulada Le domino noir. He elegido este título porque precisamente Los diamantes de la corona de Barbieri están basados -fusilados se decía- en el libreto homónimo que escribiera Scribe para Auber... Le domino noir tuvo también su correspondiente versión hispana, El dominó azul, en este caso de Emilio Arrieta, una obra de éxito en su época que hoy no se monta casi nunca. Disfrutadlo y atentos al final, que suena un tema español muy popular que luego G. Giménez aprovecharía para su célebre intermedio de La boda de Luis Alonso.

::lo que pocos conocen de rigoletto::

2009-02-16T23:12:00.005+01:00

Atrildesastre regresa con la mejor música del mundo, una canzonetta que en noches como la de hoy inundan de luna y elegía mi habitación.

Se trata de un aria que Verdi compuso para la presentación belga en 1851 de una de sus obras cumbres, Rigoletto. El momento en que hoy debería incluírse esta canción (me refiero a teatros que piensen en sorprender u ofrecer algo nuevo a su público) sería el tercer acto, para el personaje de Maddalena, en el momento en que ruega a su hermano, el vil Sparafucille, que no asesine al Duca di Mantova.

La línea verdiana en este caso no puede negar su deuda con la poética lírica de Bellini. El acompañamiento, por contra, nos avisa de que aquella armonía, salpicada de algún giro cromático, ya no es la de Norma. Os invito a que gocéis de un Verdi poco oído, os invito a que volváis a gozar de cinco minutos de deliciosa melopea y dejadez sonora que a mí, al menos, me embriaga.

::la caballé y la velasco como gatas::

2008-03-31T22:21:00.005+02:00

A TVE le hacen falta a día de hoy programas como "Viva el espectáculo" (1990), que era capaz de reunir sobre el escenario a Montserrat Caballé y a Concha Velasco cantando juntas sin ningún complejo mientras Sarita Montiel las observa entre humillada y desafiante. Con la EXPO y las Olimpiadas del 92 (qué tiempos aquellos de Los Manolos, Concha Cuetos y Cobi) nos fuimos europeizando e íbamos dejando atrás nuestra apariencia asilvestrada y salvaje, de alpargata y folclorismo, que aún tuvieron los años de la Movida. La Juani fue el siguiente paso y cuando Ana Pastor decidió dar movimiento a sus puntas y ponerse el flequillo de lado nos dimos cuenta de que nada volvería a ser lo que era y entonamos como Jorge Manrique eso de "cualquier tiempo pasado fue mejor"... ¿o no?

Pero soñemos y volvamos por un momento a ese 1990 y a las gozosas galas de TVE los sábados por la noche y las Nochesviejas... Admiremos un imposible collar de la Velasco mientras mira a la Caballé pensándo "¿qué coño es eso de La donna del lago y la Semiramide?". Pero ojo, cuando se da cuenta de que la Caballé acapara mucha atención la quita un moco de la mejilla y la otra le dice "gracias reina". Yo no sé bien de qué se ríen tanto y por qué la Caballé anda especialmente ampurdanesa exagerando hasta el extremo su acento pero oye, que están estupendas y nos ofrecen a todos el dúo de los gatos de Rossini... Se compuso cuando, gordo y rico, decidió retirarse con menos de 40 años y vivir la vida parisina siendo un mito en vida y con renta de 100000 francos -que por supuesto Luis Felipe le denegaría tras la Revolución de Julio... ironías de la vida.

::el arte de ángel corella::

2008-03-25T01:05:00.005+01:00

Los aficionados a la ópera, tras las pasadas representaciones de La Gioconda en el Real, nos preguntábamos: "¿cómo es posible que no se haga más ballet en este teatro cuando está claro que al público le gusta?". Bien, habría mucho que matizar sobre esta cuestión... no me extenderé.

En Gioconda el ballet no deja de ser un fragmento de apenas 10 minutos inserto en una ópera popularísima y que atrae al público por descontado. Es como si en medio de una tarta te ponen, además, una guinda... pues te la comes con gusto.

Asistí hace dos temporadas al coliseo de la Plaza de Oriente a una función de El corsario por las huestes del Marinski, ballet conocido donde los haya de los ballets imperiales rusos y la verdad que el teatro estaba bastante bastante lleno.

La temporada que viene, tras el exitazo de Corella bailando la danza de las horas en Gioconda, se le volverá a contratar para montar con su compañía el maravilloso ballet La bayadera con música de Minkus y coreografía de Petipá. Es del estilo de Corsario o Don Quijote pero con un encanto añadido de exotismo hindú y un último acto en el Reino de las Sombras que deja a uno sobrecogido.

El público de Madrid tendrá oportunidad para demostrar que sí es aficionado al ballet cuando se le ofrece en bandeja de plata y con un nivel artístico realmente considerable. Corella es a día de hoy el grande entre los grandes; no sé si su compañía estará a la altura o si aún estarán algo "verdes"... lo cierto es que podríamos habernos ahorrado la gran gala de figuras del ballet y haber contratado al American Ballet junto a Corella (su bailarín solista) para esta Bayadera...

Os dejo un video suyo en la variación de El Corsario ya que en YouTube no me dejan pegaros su interpretación -impresionante- de la variación del ídolo de oro de La Bayadera. Si quereis -debeis- verla, pinchad aquí.

::zarzuela rara en la filmoteca nacional::

2008-03-16T23:11:00.004+01:00

En la Filmoteca Nacional (C/Santa Isabel, Antón Martín,) ha dado comienzo un ciclo in memoriam a Fernando Fernán Gómez y Pedro Beltrán en el que se va a recuperar el próximo martes 18 un título muy infrecuente, ¡Bruja, más que bruja!, del año 1977, dirigido por el primero y con guión del segundo.

Lo curioso es que a dicha película se la denominó “zarzuela cinematográfica” y supone un intento de plasmar en cine una parodia de aquellas zarzuelas de alpargata según modelo de La rosa del azafrán. No fue un éxito, es la verdad, pero sin duda es una oportunidad para ver un título raro con actores de la talla de Emma Cohen o Mary Santpere. De ella podemos leer en la web de la Filmoteca:

"Es un intento de hacer una zarzuela cinematográfica. Pensamos que tratándose de un ambiente rural, un crimen ibérico y de una zarzuela, algo tan español, podía funcionar con el mismo público que disfruta La del Soto del Parral o Luisa Fernanda, mientras que la audiencia más intelectual entendería la intencionalidad paródica. Pero la película desconcertó a todo el mundo y nadie sabía a ciencia cierta por qué los personajes empezaban a cantar de improviso y a qué venía tanta exageración" (Pedro Beltrán).

¿Os animáis? Será a las 19:30 de la tarde. Entradas a precios populares en la preciosa sala 1 del Cine Doré.

::la magia de un tema inolvidable::

2008-03-13T01:38:00.002+01:00

Hace tiempo ya puse en este blog otra versión de la canción Dream a little dream of me -que a tantas personas a hecho feliz a lo largo de su historia- interpretada por Mama Cass. Hoy les toca el caso a dos reyes de la música del XX: Aretha Franklin y Louis Armstrog, los dos impresionantes. El vídeo es un simpático corto de animación de la BBC del año 1995. Espero que lo disfruteis tanto o más que yo. Enamoraos con ellos.

::recuerdos desde los caños del peral::

2008-03-10T22:08:00.009+01:00

En 1738 se abrió el renovado teatro de los Caños del Peral muy cerca del lugar que ahora ocupa el Teatro Real. Antes existía un teatro de menor dimensión -y sin duda de menor lustre, apenas un barracón de madera- donde los trufaldines cantaron un buen puñado de óperas italianas para descontento de las compañias españolas que veían cómo estos espectáculos se llevaban a una gran clientela y cómo la reina Isabel de Farnesio les favorecía a través del Marqués de Scotti (por ejemplo no pagando el arrendamiento del teatro.)

Pero me refiero ahora a los Caños del Peral reformados, los que se abrieron en el Carnaval de 1738, en una época en que Madrid empezaba a disfrutar de un esplendor musical que daría como resultado la llegada de Corradini, Courcelle, Mele, de Farinelli en 1737 o la de Domenico Scarlatti unos años más tardes durante el reinado de Fernando VI y Barbara de Braganza -a la sazón "patrocinadora" de la famosa Historia de la Música del Padre Martini y buena tañedora de clave-.

Hoy hablamos de Johann Adolph Hasse (1699-1783), el compositor de la primera obra que se tocó en estos Caños del Peral, Demetrio, con libreto del "divino" y cesáreo Metastasio. Poco duró la aventura de estos Caños: apenas seís títulos. En 1739 echó el cerrojazo ante la falta de un plan estratégico concreto y el entusiasmo suscitado por las temporadas del Real Coliseo del Buen Retiro. Hasta la llegada al trono de Carlos IV en 1786 no volvería a reabrir sus puertas y esta vez con más éxito que nunca; aquellos fueron, hasta el Real Decreto de 1800, los años dorados de los Caños del Peral y de la ópera italiana en Madrid con más de 140 títulos estrenados.

Hasse gustó en esa primera "temporada" de tal manera que era conocido como Il caro sassone, "el caro Sajón", apodo que también le dieron en tierras italianas, donde se formara con Porpora entre otros. Artaserse y La clemenza de Tito fueron los otros dos títulos de él representados y desde entonces... poco o nada. Las novedades de los Jomelli, Galuppi o Pergolessi llamaban más la atención. Es innegable en Hasse la suave fragancia que desprende su música, las sutilezas rítmicas y ornamentales de la que está cargada y que la hacen inconfundible e idónea para noches como la de hoy.

Emma Kirkby en "Digli che io son fedele" de Cleofide

::un día de tristeza::

2008-03-07T16:43:00.003+01:00

No existe música que pueda expresar el pesar que hoy todos los que creemos en la democracia y en la libertad de las personas y los pueblos sentimos.

Mi pésame para todos y en especial para la familia de Isaías Carrasco.

::entre la vida y la muerte hay una danza::

2008-03-06T01:17:00.011+01:00

Entre dos siglos, el XIX y el XX, entre "lo viejo" y "lo nuevo", hubo una vez en Rusia personas como el coreógrafo Fokine y la mítica bailarina Anna Pavlova que creyeron que el ballet imperial debía renovarse desde dentro de su tradición y así prepararon -casi improvisaron- una de las joyas de la historia de la danza.

Contener las lágrimas es casi irremediable cuando uno ve por primera vez La muerte del cisne, un capricho coreográfico de apenas tres minutos sobre la música que el compositor frances Camille Saint-Saëns ideara para su cisne del Carnaval de los animales. Con esta danza se dio comienzo a una nueva etapa de la estética del ballet, más cercano ahora a un intimismo realista -no exento de elementos románticos-, y alejado de lo espectacular de los ballets imperiales de Petipa.

Desde su estreno en 1905 La muerte del cisne se convirtió en tarjeta de identidad de la Pavlova por todo el mundo, incluso en Madrid, donde bailó en el Teatro de la Zarzuela. Si quereis ver a la propia Pavlova bailando "su" muerte pinchad aquí. Por cuestiones de calidad de imagen y de sonido prefiero la versión, magnífica también, de Maya Plisetskaya. Una delicia que nos conmueve. Un suspiro agónico del que conoció la libertad y acepta con resignación su muerte aún sabiendo que es el ave más hermosa de la Tierra.

::come il fulgor del creato!::

2008-02-28T00:57:00.003+01:00

La Gioconda - Ponchielli - Boito

Dúo de Gioconda y Laura por Bumbry y Cossotto

(Liceu, 1988)

::la zarzuela NO es mía::

2008-02-23T18:34:00.010+01:00

En esta tarde seábado me apetece escribir y divagar sobre un tema que me apasiona como sabreís los frecuentes de este blog: la zarzuela. Más en concreto quiero hablar de una expresión que de tanto leerlo o escucharlo ha terminado por resultarme fatigoso y completamente despreciable: "nuestra zarzuela".

Peña y Goñi en su imprescindible estudio para aficionados y estudiosos del tema, La ópera española y la música dramática en España en el siglo XIX (publicado en edición facsimilar por el ICCMU,) se lamentaba profundamente por la impropia utilización del término "zarzuela" cuando los Barbieri, Arrieta y Gaztambide se lanzaron a la aventura de reconstruir y dar forma de nuevo al edificio del teatro musical español de mediados del XIX. Obras como Jugar con fuego, El juramento, El postillón de la Rioja o más tarde La tempestad, supusieron la respuesta por parte de autores españoles ante la invasión del italianismo -esa "boa constrictor" según Peña y Goñi- patente en las instituciones del Teatro Real y del Real Conservatorio de Música María Cristina, a la sazón reina napolitana.

Zarzuela como recuperación de ese concepto barroco de festival teatral con música en el que partes habladas se sucedían con otras tantas cantadas. Re-idealización de los Nebra o Rodríguez de Hita del XVIII pero de mira obtusa y limitada. Zarzuela fue un término aceptado por todos pero que supuso la crucificación de un género que siempre se vestiría como la hermana pobre y llorona de la ópera. En pleno 2008 aún hay personas que con valiente ignorancia insisten en decir cuando van a ver una zarzuela: "¡si se puede comparar a cualquier ópera!". Es el eterno absurdo; el infinito papanatismo del español.

La historia de la música en España hubiera sido muy distinta de haber adoptado el término "ópera cómica". En Francia, cien años antes, la opèra comique frente al dominio italiano, terminaría imponiéndose como cimiento ideal para un teatro musical que daría en dos siglos joyas como los Boieldeu, Offenbach, Massenet o Poulenc. Claro, que para eso hay que creer que es posible y tener el apoyo de las instituciones. En España casi nunca fue así y fuimos poco a poco cerrando nuestro círculo de acción e interés hasta llegar a acuñar el fatal título de "nuestra zarzuela". ¿Zarzuela de quién, sólo de los nacidos en España? ¿qué ocurre con el inmenso patrimonio zarzuelístico cubano, mexicano, argentino, uruguayo, venezolano, también es "nuestra zarzuela"?

Un amigo inglés muy aficionado al género me comentaba "¿por qué siempre se dice nuestra zarzuela, no es mía también en el momento que la disfruto y estudio?". Una persona que ha llegado a montar en London City un montaje de La del Manojo de Rosas con el título de The girl with the roses. No hace falta hablar de que la falta de prejuicios y sobre todo de complejos hace mucho a su favor.

En España no: nos empeñamos en seguir tratando a esta niña tonta y cojita llamada "zarzuela" como nuestra. La pobre nos ha salido rana y golfa, ¡qué se le va a hacer! Mientras siga vistiéndose de manola o chulapa bien, como intente sobrepasarse y creer que puede llegar a tener proyección internacional o vestirse con una propuesta escénica acorde a los tiempos... mal, mal, mal. La damos una paliza y la encerramos en su cuarto durante unos meses soportando ideas de la perversión de La Fiesta Nacional en la Zarzuela, ideada y pagada por esa Fundación de la Zarzuela Española (¡y olé!) que viene a ser agujero negro por donde la constructora OHL se desgraba un dineral todos los años. Dicha fundación, además de idear espectáculos trasnochados para nuestros tiempos publica una no menos decadente revista, La Zarzuela, de título originalísimo y contenido basurero en la mayoría de ocasiones. Alguna vez ha amenazado con montar en un teatro de Madrid zarzuela "como Dios manda", léase, sin Bieitos o incluso Sagis de por medio. Supongo que llegará el día y que entonces se verá un teatro con edad de público media de 75 años que no creen en un género como éste... Teatro de Nuestra Santa y Gloriosa Zarzuela Española. Nos quedamos ahí.

En el Teatro de la Zarzuela se hacen cosas mejores, peores, pero en los últimos años se ha llegado a un punto de aceptabilidad e incluso brillantez con los montajes. El punto por resolver es el del diseño de repartos completamente satisfactorios -ideales, lo sé-, y terminar con la situación oficial en la que se encuentran para poder dar paso a grabaciones en CD y DVD de las propuestas de mayor interés. Por cierto, ¿es aguantable a estas alturas un coro de señoritas y señoritos de 65 años que cada uno canta y se mueve por donde le suele apetecer? ¿no se han dado cuenta todavía de que la OSM no se toma para nada en serio su lugar en el foso y que donde realmente quiere estar es en el Auditorio?

Poco más escribo por hoy. De fondo tengo La belle Helène, ¡cuánto sabía este Offenbach cuando llamó a sus grandes obras opèras-bouffes! Por hoy me despido renegando de la expresión "nuestra zarzuela", símbolo a día de hoy de los que no quieren ver más allá de sus narices, de esos papás tiránicos de una niña pobrecita. Os invito a que vayais a ver La Generala dirigida con brillantez en lo escénico por Emilio Sagi ... todo es cuestión de creer. Creer que no sea un producto macilento y decadente; creer que no es una imagen de marionetas muertas como como ésta:

::es un muñeco el arlequín::

2008-02-12T15:29:00.000+01:00

Después de muchos años de ausencia regresa al Teatro de la Zarzuela una de las operetas españolas más populares y queridas por el gran público: La generala (1912), con divertidísimo libro de Perrín y Palacios (El husar de la guardia, La gatita blanca, Bohemios) y música encantadoramente vienesa de Amadeu Vives (Doña Francisquita, Maruxa, La villana.)

La importancia de este nuevo montaje reside, además de en su interés artístico con dos repartos excelentes e interesantes ambos, en que será embajador del Teatro de la Zarzuela en París. Con cartel muy similar se estrenará en el Théâthre du Chatelet en mayo de este mismo año. La zarzuela gusta mucho fuera de nuestras fronteras. Cada vez se pide más... y mejor. Sonados son los estrenos de la Luisa Fernanda que Plácido Domingo está paseando por medio mundo y no es, ni mucho menos, el único ejemplo, de zarzuela representada fuera de España. En los últimos años se han escuchado, entre otras, Pan y toros o Doña Francisquita.

El Chatelet es uno de los templos parisinos de la opereta así que estamos de enhorabuena con que se lleve un poquito del mejor teatro musical hispano. La generala es una obra que atrapa por su melodismo, por sus contagiosos ritmos de vals, polca o galope, que enternece con sus dúos de amor o que hace que sonrías malicioso cuando Berta canta eso de

Es un muñeco el arlequín

un muñequito de cartón

que para hacerle así bailar

hay que tirarle del cordón.

Esperemos que, desde el viernes 15 en que se estrena no haya un día que el público no deje de abarrotar la sala de la calle Jovellanos para aplaudir el nuevo montaje de Emilio Sagi -cuyo último éxito en la Zarzuela fue una inolvidable Parranda- y el arte de Ismael Jordi, Carmen González, Sonia de Munck, Luis Álvarez y el resto de artistas que conforman los repartos.

En París el éxito está casi asegurado; ahora sólo nos cabe esperar que nos envíen por su parte alguno de sus estupendos montajes de operetas francesas: La gran duquesa de Gerolstein y La bella Helena ideadas por Laurent Pelly, la Veronique que acaba de estrenar Fanny Ardant o El cantor de México que la temporada pasada arrasó en la capital gala y que estaba precisamente dirigido por Sagi y cantado por Ismael Jordi.

Hoy me despido con un ¡qué viva la opereta!

::croce e delizia al cor::

2008-02-09T13:52:00.000+01:00

¿Qué tiene esta música que sigue emocionándonos por mucho que la hayamos escuchado ya? Sin duda Verdi sabía mucho de teatro y sabía cómo llevar a sus espectadores a donde él quería -Puccini fue otro parecido e incluso Wagner-. Os propongo para esta mañana de sábado una muy estética versión del "Ah fors´è lui" de La traviata. Tiene subtítulos en castellano. Hoy sólo podía ser ella :)

::esa señora::

2008-02-08T16:26:00.000+01:00

Siempre grande. Aguardad al final... sin palabras.

::la del manojo de rosas::

2008-02-08T10:57:00.000+01:00

Sorozábal conoció un Madrid, el de 1934, en el que la juventud aún sabía entender la belleza de un manojo de rosas. Creo que hoy en día pocos somos los jóvenes que podemos entender un teatro en el que además de divertirnos podamos escuchar la mejor música y vincularnos a una tradición de décadas como el maestro pretendió: un nuevo sainete madrileño, de su tiempo, el Madrid republicano de los años 30, en el que cada número -con excepción de las dos romanzas- sean bailables como ya hicieran Chueca, Rubio, Nieto y la mayoría de autores del género chico del XIX.

Lo consiguió: La del Manojo de Rosas desde su mismo título es homenaje a un Madrid que ya no era pero que sus habitantes eran capaces de disfrutar y reactualizar. Las chulapas ahora enseñaban los tobillos, montaban en bicicleta y bajaban a Rosales a ver los conciertos de la Banda Municipal del Maestro Villa. El chotis era un recuerdo nostálgico de verbena y el fox-charles hacía furor.

¿Para la gente de 2008 sería posible un Manojo de Rosas? Yo creo que sí, pero hay que regenerar el teatro que cada vez anda más de capa caída con absurdos musicales que al final no son "ni chicha ni limoná". ¿Un musical sobre "El dúo dinámico"? Con todos mis respetos, NO. ¿Con ese presupuesto no se pueden proponer lecturas nuevas, juveniles, llenas de vida, de obras como ésta? Los jóvenes no queremos cantar el "Qué tiempos aquellos"... queremos volver a enamorarnos con "Hace tiempo que vengo al taller". El montaje tan paseado de Sagi sobre La del Manojo de Rosas tan Chamberí-34 es muy bello, ¿pero no va siendo el momento de entender esta obra desde la sensibilidad de hoy en día?

Cantemos, bailemos, riamos y volvamos a emocionarnos con La del Manojo de Rosas. Somos ascensiones, joaquines y ricardos y de hoy en día...

(Perdón por la calidad del vídeo, pero por volver a ver imágenes del montaje de Sagi merecen la pena. Con José Julián Frontal y Milagros Martín.)

::vuelve hamlet::

2008-02-05T22:13:00.000+01:00

Quizás recordeís hace unos mesecillos que os recomendé un montaje del gran clásico de Shakespeare, Hamlet, por la compañía Réplika. Pues bien, ¡vuelven! y no puedo menos que recomendaros con gran pasión que vayaís a verles y disfrutar de su lectura intesa y cercana de tan impresionante título.

A partir del 9 de febrero y hasta el 29 del mismo mes habrá únicamente nueve funciones:
Viernes a las 20 horas - Sábados y Domingos a las 19 horas.

TEATRO RÉPLIKA
Tlf de reservas e información: 915350570
Justo Dorado, 8. Metro Guzmán el Bueno.

Si quereis leer la reseña que escribí entonces sobre el buen hacer de Raúl Chacón y Socorro Anadón (Hamlet él, Gertrudis ella), pulsad aquí.

Saludos !!!

::nuevas críticas::

2008-01-25T14:47:00.000+01:00

Acabo de publicar dos nuevas críticas en el portal sobre zarzuela en el que tengo el gusto de colaborar con asiduidad: zarzuela.net

Os invito a que las leaís en el link que os he dejado. Tratan sobre las recientes representaciones de La bruja en el Teatro de la Zarzuela y de las de El día de Reyes // El molinero de Subiza por la familia Font-Marco-Moncloa.

Saludos y buen fin de semana.

::amadís de gaula por händel::

2008-01-23T00:16:00.000+01:00

Händel estrena en Londres su mítico Rinaldo en 1711. Empieza entonces su colaboración con el King´s/Queen´s Theatre, que le llevaría a establecerse definitivamente en la ciudad del Támesis por el éxito obtenido y la genial carambola del ascenso al trono de los Hannover. En 1715 estrena una ópera hoy no muy difundida pero con momentos de delicioso placer: Amadigi di Gaula, obra 11 del catálogo del autor sobre temática de la conocida novela de caballería española. Os dejo el aria "Tu, mia speranza" por Bernarda Fink que a mí me parece ciertamente seductora con ese "algo" de contradanza. ¡Espero que la disfruteis!

::hijos de papá::

2008-01-18T16:35:00.000+01:00

Ya, ya sé que ya tanto Offenbach puede ir cargando... ¡pero es que es tán inmenso! En el post de hoy cuelgo un fragmento de una de sus opeas bufas más conocidas: La bella Helena (aunque en España se estrenó como El rapto de Elena y el propio Offenbach la dirigió en Madrid en uno de sus viajes.) Se trata de una obra de 1864 y tiene toda la rabia offenbáchica de la parodia descarnada y a la vez finísima de una época apasionante como es el Segundo Imperio francés.

Aquí Helena desea marcharse del hogar conyugal pues está harta del aburrido de su marido, Menelao. El pastor disfrazado, Paris, la excita mucho más y tras mil triquiñuela la bella Helena marcha a Cyterea, realmente Troya... Así empezó una guerra mucho más divertida de lo que nos contó Homero, y en ella hay personajes secundarios inolvidables como el príncipe Orestes -hijo de Agamenón, sobrino de Menelao- que entra en escena cantando unos couplets a tempo de gallop infernal con la letra que traduzco a continuación. ¡Disfrutadla!

[Orestes a Calchas, sumo sacerdote]

En el cabaré del laberinto
esta noche he cenado, mi viejo amigo,
con estas chicas de Corinto
que son de la Grecia lo mejor.
Son Partenís y Leona
que me han dicho que te querían conocer.

¡Tzing la la, tzing la la,
oya Kephale, Kephale, o la la!

Repara en estas naricitas sonrojadas
en sus pequeñas manos y coquetos pies,
y todas esas "pequeñas cosas"
que levantan en nosotros grandes pasiones.
Son Partenís y...

Con estas damas son con las que Orestes
hace bailar el dinero de papá;
a papá no le importa
porqe al fin y al cabo, es Grecia quien paga.
Son Partenís y...

Geniales ¿ verdad...? Canta la magnífica Marie-Ange Todorovitch con Les Musiciens du Louvre con la batuta de Minkowski.

Orestes y las furias por Bourguereau

::ben heppner en los maestros cantores::

2008-01-13T11:51:00.000+01:00

Canción del certamen de Walter en Die Meistersinger von Nürnberg
de Richard Wagner... ¡Disfrutadla!

::diálogo de alsacianos::

2008-01-10T00:35:00.000+01:00

En los años dorados del Teatro de los Bufos Parisinos (Bouffes Parisiens) Offenbach hacía bailar a todo Paris con su música de irresistible fuerza e inventiva melódica inagotable. Eran los años 60 del XIX y Napoleón III, con su barón Haussmann, hacen grande una nueva ciudad llena de bulevares, grisetas y artistas de medio pelo. Al nuevo París acuden personas de todo tipo: desde turistas burgueses deseantes por admirar la Exposición de 1867 -pensemos en los protagonistas de La vida parisina- a pobres campesinos que dejando tras de ellos un mundo de miserias se sumaban por un embudo irrefrenable a la muchedumbre populachera y obrera de la gran ciudad.

En Francia los alsacianos son lo que los gallegos a España. En el argot burlesco popular siempre que se dice "el gallego" se pienso en el paleto, en el cateto simplón como lo retrata el teatro cómico hispanoamericano. Una imagen parecida dan los alsacianos a los refinados, o no tanto, parisinos.

Offenbach, deseando siempre agradar a su público, no fue ajeno a esta realidad y con un algo de mala uva, un poco de añoranza romántica por la vida campestre y una enorme dosis de ingenio puso música a un libreto titulado Lischen et Fritzchen, "conversación alsaciana en 1 acto" de Boisselot. En él los ciudadanos parisinos podían reírse de lo lindo con las ingenuidades de los campesinos y además saborear nuevos números del bueno de Jacques que rápidamente circularían por los organillos y pianos de toda la ciudad deseosa de música y primavera. De entre ellos, no cabe duda, destacó desde su estreno la divertidísima y muy bella redowa "Je suis l´alsaciènne", que pasaría a ser uno de los hits de su autor y que formaría parte, incluso aún bien entrado el siglo XX, del ballet-pastiche con música de operetas de Offenbach, Gaité Parisienne.

Aquí va el maravilloso duetto "Yo soy la alsaciana"...

Este post se lo dedico a mi amigo Juan Carlos que actualmente está de Erasmus en Estrasburgo... capital de la Alsacia, jejeje.

::el regalo de un sueño::

2008-01-07T22:19:00.001+01:00

La Sirenita marcó un hito para muchos chavales nacidos en los primeros años 80. Nada parecido habíamos visto antes en el cine... y nada parecido después de ella. Sí, La Bella y la Bestia, Aladdin, El rey león o El jorobado de Notre Dame son magníficas e inolvidables. Todas tienen cosas buenas... pero mi preferida es La Sirenita. Hay en ella tantas cosas geniales:

-El comienzo, con esa niebla que apenas deja ver el color de los delfines y gaviotas. Nunca vimos una niebla mejor coloreada.
-Secundarios inolvidables en la mejor tradición Disney como Sebastián (¡gran guiño a J. Sebastian Bach!) una gaviota Scuttle maravillosamente tarada ("¡wow, qué rápido nadas!") o el atildado y miedica Flounder ("luego la gaviota cosas nosequé nosecuánto".) El cocinero, el mayordomo de Eric, ¡hasta el perro Max me gusta!
-Una villana maravillosa... Úrsula, que es una Divine para niños y sus anguilas secuaces. ¿Cómo no recordar su escena del pacto con Ariel, las burbujas de su caverna (desde La Cenicienta no las hubo iguales) o su secuencia final como gigantesca reina de los mares...?

Habría mil cosas más a recordar de esta película... pero si algo queda cuando la vemos es su música, compuesta por Alan Menken y con letras de Howard Ashman. Es sencillamente perfecta con detalles geniales, como esos acordes de quintas paralelas obsesivos que nos remiten al mundo oceánico de Debussy y su Catedral sumergida (por ejemplo, justo cuando en los títulos de créditos sale el letrero de "The little mermaid".)

La parte instrumental de la obra entrelaza temas y les dota de un significado dramático subsumido en nuestro tímpano más allá de lo que nuestra retina adivina. Es un recurso muy post-romántico, que algo tiene de Wagner pero, sobre todo, de la lección de ese genio teatral llamado Puccini y que tanto daño -¡positivo!- ocasionó para la historia de la música teatral.

La perversión de un personaje de Úrsula está clara desde su primera escena ("Corre princesita") con ese acompañamiento obsesivo de fox lento, cabaretero y muy a lo Mamma en Chicago de John Kander... de hecho la canción de Mamma y la de Úrsula están escritas en igual ritmo y con la misma intención: convencernos de que ellas serán buenas con nosotros si nosotros somos buenas con ellas y les damos lo que quieren. Es ese tiempo con el que también abrirá Cabaret en "Willkommen"... y es que la caverna de la bruja del mar, con esa caracola-chaise longue y su tocador lleno de maquillaje, tiene mucho de berlinés, de pervertido y de socialmente peligroso.

Úrsula, como Ariel, reta a la norma. La diferencia es que el rey del mar es padre de Ariel y al final puede más el corazón que la ley ("la voy a echar tanto de menos...") Úrsula fue desterrada, humillada... y muerta de hambre, ¡pero menos mal! De no haber sido así nos hubiéramos quedado sin una de las mejores "malas" de película Disney de todos los tiempos, desde la reina en Blancanieves -una Joan Crawford tan bella como maligna- o la madrastra de Cenicienta, inspirada cláramente en el ama de llaves de Rebecca de Hitchcock. Su homólogo masculino, pero con menos fuerza, sería el Hades de Hércules, con ese puntito irónico y no salvajemente visceral como Scar (El rey león) o Frollo (El jorobado de Notre Dame.)

Para ir terminando diré que la canción "Part of that world", la balada que canta Ariel en su refugio, es posiblemente una de las canciones más emocionantes de todas las películas Disney. Es el momento de reflexión imprescindible en el que el protagonista de un musical se detiene y dice "yo quiero llevar otro tipo de vida, quiero salir de este mundo". Y de ésto saben mucho en Broadway: ahí tenemos a María en su salida del convento en Sonrisas y lágrimas, el blues "Maybe this time" para la protagonista en Cabaret o "Roxie" en Chicago. Canciones de sueños casi todos con final feliz.

"Part of that world" sigue siendo una de las canciones más recordadas de los clásicos Disney y a mí me gusta especialmente cuando adquiere un significado casi heroico al reaparecer en la escena de Ariel en la playa sobre el príncipe Eric. El uso de la luz solar coloreada, las olas, el viento... la afirmación en sus sueños cuando afirma "I don´t know when, I don´t know how, but I know something starting right now [...] Someday I´ll be part of that world ". Nos sigue poniendo la piel de gallina aunque ni estemos prestando atención a la película, sino simplemente intentando dormir a nuestro sobrino de turno.

Guiños a la canción francesa a lo Maurice Chevalier con la canción del cocinero "Les poissons", o al calipso caribeño en "Bajo el mar", secuencia con influencias de la grande-revue y el Broadway clásico y que marcó un estilo continuado con "Qué festín" de La Bella y la Bestia -muy mal copiada en "Un tipo así" de El jorobado-, "No hay un genio tan genial" en Aladdin, "Yo voy a ser el rey león", "Mi última esperanza" de Hércules etc.

Creo que no me dejo nada... Sólo recomendaros que volvaís a ver La Sirenita, que volvaís a soñar, que la entendaís con otros ojos, o mejor dicho, con otros oídos, intentando escuchar la historia que Alan Menken nos quiso contar -aunque su obra maestra en este sentido, siempre lo diré, fue Pocahontas-. Siempre echaremos de menos un final más poético, más "para mayores", más cercano al original de Andersen, en el que Ariel, por no hacer daño al príncipe se convertirá en viento y volará eternamente en lugar de convertirse, como todas las sirenas al morir, en espuma.

Este post se lo dedico a mis amigos Javi y Jacobo. Muchas gracias.

Part of that world...

::anda ve y que dios te ampare::

2008-01-05T00:45:00.001+01:00

Concha Piquer canta Arrieros somos de Quintero/León/Quiroga.
Al piano, Luis Posadas.

¡¡¡ FELICES REYES !!!

::zarzuela para toda la familia en Conde Duque::

2008-01-02T23:19:00.000+01:00

-Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (C/ Conde Duque, Ventura Rodríguez, Plaza España, San Bernardo.)
-Días 3 y 4 de enero (jueves y viernes) a las 19:30.
-Entradas gratuitas -dos por persona- a partir de las 18:30.

Los días 3 y 4 de este recién estrenado mes de enero se va a recuperar en el centro cultural de Conde Duque la zarzuela El día de Reyes en la programación que el Área de las Artes del ayuntamiento madrileño ha diseñado para estas navidades.

La noticia es excelente. Esta zarzuela es una de esas joyitas del llamado género ínfimo y que hace ocho décadas nadie escucha. Ocurre con ella lo mismo que con Las bribonas, que en su recuperación la Zarzuela el pasado mes de junio, nos hizo preguntarnos a muchos: "¿cómo una obra tan divertida e inspirada ha podido estar tanto tiempo en el olvido?".

En El día de Reyes no hay política de por medio, como sí ocurría en la zarzuela de Calleja... En esta obrita de Manuel Penella (autor de El Gato Montés o Las Musas Latinas,) con libreto de Moncayo, lo que se pretende es divertir, entretener... hacer reís al público. Si además nos ofrecen siete numeritos musicales con el encanto de la "machicha infantil" o el "terceto de los fumadores", ¿qué más se puede pedir?

La producción corre a cargo de Ópera Nova y entre sus intérpretes estará el cantante Lorenzo Moncloa... Se contará con agrupación instrumental dirigida por la maestra Font Marco y puesta en escena bajo la dirección artística de Carlos Pardo.

::un ratón straussiano::

2007-12-30T00:51:00.000+01:00

Llega la Nochevieja, un año más... uvas, champán, más turrón y valses del concierto de Año Nuevo. Bueno, valses ya no se bailan, aunque en mi casa, que somos un poco de otro mundo, tenemos la costumbre de poner el brindis de La Traviata cuando terminan las doce campanadas y así nos ahorramos las felicitaciones de Ramón García con su capa de tuno tunante y de Anne Igartiburu. Yo, además, este año iré con mis amigos a una fiesta surrealista de disfraces en la que dudo que suenen aires vieneses.

La familia Strauss y la Viena fin-de-siècle son una de mis debilidades musicales, ya lo sabeís de sobra. Hoy navegando por Youtube me he encontrado con un divertido capítulo de Tom y Jerry en el que precisamente se homenajea todo ese mundo. Aunque es en inglés creo que es de comprensión elemental, vereís como sí...

This is the story of a waltzing mouse (...) in the home of Johann Strauss [the Second.] ¡Divertios con little Johann!

¡ FELIZ AÑO NUEVO!

::la magia de berganza::

2007-12-22T22:59:00.000+01:00

Entrecierren los ojos... enciendan sus altavoces... déjense llevar por la magia de una de las mejores voces que ha dado la Península... Con todos ustedes, Teresa Berganza en la Canción de cuna para dormir a un negrito de Xavier Montsalvatge. En sus corazones, como en el mío, se entremezclarán un algo de somnolencia, un poco de mar y un pedazo de coco muy tierno... ¿Porque todos los belenes tienen niños blanquitos?

Recital en el Festival de Aix en Provence de 1964

::carta a luis olmos, director del teatro de la zarzuela::

2007-12-17T00:31:00.000+01:00

Estimado Sr. Olmos:

Como público habitual del teatro que usted dirige y aficionado al teatro lírico en general, no puedo menos que escribirle desde la indignación y la estupefacción al haberme percatado de como la Zarzuela ha dejado de editar los libretos que desde siempre venía ofreciendo a su público.

Asistir a una representación de La Bruja pero darse cuenta de que el disfrute no podía continuar en casa cuando leyese los siempre interesantes artículos de especialistas en la cuestión, o me deleitase con las líneas de dos de nuestros más afamados libretistas, Ramos Carrión y Vital Aza, es una noticia cuanto menos lamentable. ¿Acaso en el Teatro de la Zarzuela no se tiene la misma sensibilidad ante noticia tan amarga?

Era el Teatro de la Zarzuela modelo para muchos otros coliseos líricos nacionales gracias a sus libretos, que combinaban una calidad literaria de altísimo nivel junto a una línea editorial de primera categoría… ¡y todo a un precio realmente asequible! ¿Qué nos va a quedar ahora en cuanto a escritos científicos sobre zarzuela y ópera española…? Muy sencillo: las muy esporádicas y no tan accesibles publicaciones del ICCMU.

No es cuestión de dinero. El Estado es deficitario por definición y a un teatro público se le adjudica un presupuesto para que lo gaste. Los programas de mano que ahora se ofrecen -y que hasta podemos descargar por Internet- están muy bien, vaya mi aplauso por ellos; pero realmente editarlos con las tapas de cartón y en color, considerando el número de páginas y teniendo en cuenta los miles de ellos que hay que imprimir para tantas funciones, estoy seguro de que eleva su presupuesto al cercano de los libretos que antes se editaban y vendían en la tienda de su Teatro de la Zarzuela.

¿Se trata de algo esporádico por tratarse de una reposición? ¿Se continuará con esta línea a lo largo de la presente temporada en la que se ofrecen obras muy poco habituales y sobre las que poco o nada hay escrito científicamente…? Confío en que se trate de un mal sueño, de que el Teatro de la Zarzuela continuará mimando a un género… no a unas representaciones con las que ganar taquilla.

Espero que los aficionados a la zarzuela y por qué no, todos los que se interesan por mover la cultura, por crear cultura, no tengan que terminar esta temporada con ese verso de Black el payaso en el que se dice “¡Qué pena, señor, qué pena!”.

Y es que la Zarzuela es mucho más que un teatro.

Esta carta, con algunos cambios, la envié el sábado mismo a la dirección del Teatro de la Zarzuela ante la muy desgraciada noticia, ante el atentado cultural, que ha sucedido con el caso de los libretos. Se acabaron los artículos escritos por especialistas sobre las obras, ¿quién es el cazurro que quiere aprender sobre zarzuela?

En fin... si estás de acuerdo con que no se puede permitir que un teatro público dedicado a la lírica española haya decidido que su público no tiene ganas de aprender y formarse escribe un correo electrónico a secretariadireccion.tz@inaem.mcu.es

Saludos a todos.

::lorca baila un vals::

2007-12-12T22:24:00.000+01:00

Después de la arenga quasi-nacionalista de ayer -¡Por Dios, me he leido hoy y sueno a Peña y Goñi!-, he decidido relajar el tono y ofreceros un bombón; un auténtico encanto de praliné... un poema de Lorca ante el que es imposible no derretirse. Decadente, risueño, almibarado... irónico, sutil, ¡vienés en tres por cuatro...!

En Viena hay diez muchachas,
un hombro donde solloza la muerte
y un bosque de palomas disecadas.
Hay un fragmento de la mañana
en el museo de la escarcha.
Hay un salón con mil ventanas.

¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals con la boca cerrada.

Este vals, este vals, este vals, este vals,
de sí, de muerte y de coñac
que moja su cola en el mar.

Te quiero, te quiero, te quiero,
con la butaca y el libro muerto,
por el melancólico pasillo,
en el oscuro desván del lirio,
en nuestra cama de la luna
y en la danza que sueña la tortuga.

¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals de quebrada cintura.

En Viena hay cuatro espejos
donde juegan tu boca y los ecos.
Hay una muerte para piano
que pinta de azul a los muchachos.
Hay mendigos por los tejados,
hay frescas guirnaldas de llanto.

¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals que se muere en mis brazos.

Porque te quiero, te quiero, amor mío,
en el desván donde juegan los niños,
soñando viejas luces de Hungría
por los rumores de la tarde tibia,
viendo ovejas y lirios de nieve
por el silencio oscuro de tu frente.

¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals, este vals del "Te quiero siempre".

En Viena bailaré contigo
con un disfraz que tenga
cabeza de río.
¡Mira qué orillas tengo de jacintos!
Dejaré mi boca entre tus piernas,
mi alma en fotografías y azucenas,
y en las ondas oscuras de tu andar
quiero, amor mío, amor mío, dejar,
violín y sepulcro, las cintas del vals.

::vuelve la bruja a madrid::

2007-12-11T22:05:00.000+01:00

Vuelve La bruja... vuelve una obra mítica, una de esas zarzuelas, mejor dicho, zarzuelones, que a uno dejan cautivado en su butaca durante tres actos. ¿Las razones? sólo hay una: música, música y música. Ruperto Chapí con esta obra grande y otras del mismo género como La tempestad, Curro Vargas, La Cara de Dios... pero también, ¿por qué no? , con otras más chicas como La revoltosa, Las bravías o La chavala, logró definir y elevar a la enésima potencia la auténtica música dramática española, la zarzuela. Zarzuela... ópera cómica, sí, pero obra lírica, al fin y al cabo. Las ideas de un Bretón en Los amantes de Teruel o del propio Chapí con empeños como Circe o la propia Margarita la tornera cayeron en saco roto. La ópera española, nuestro teatro lírico, tiene un nombre: zarzuela.

Todo el que en estas navidades quiera pasar un rato más que agradable escuchando música de la buena y a cantantes del nivel de José Bros, Susana Cordón, Nacy Fabiola Herrera o María Macía (que vuelve a Jovellanos después de su debut en los Luis Alonso,) que no deje de pasarse por el Teatro de la Zarzuela. Ante obras de este nivel -¿quién no recuerda la jota, el dúo del segundo acto o el terceto de las brujas...?- el hechizo está plénamente garantizado...

¿Crees ya en las brujas...?

(Para saber más sobre el argumento de la zarzuela pincha aquí.)

::nos dejá luis iberni::

2007-12-04T23:10:00.002+01:00

A todos nos ha pillado por sorpresa el fallecimiento del profesor Luis G. Iberni. Desde hace años comencé a admirar su trabajo con su estudio sobre Chapí, sus conferencias en la Zarzuela y sus textos en El Cultural. Este año por fin cumplía uno de mis sueños al ser alumnos suyo pero... la vida veces nos da estos mazazos y desde aquí deseo que su familia se encuentre lo mejor posible. La verdad es que en la facultad va a dejar un vacío difícil de recuperar. Qué gran persona y qué gran profesional.

Os copio un breve texto que he publicado en zarzuela.net in memoriam.

http://www.zarzuela.net/ref/feat/iberni-obit_spa.htm

Un hombre, un musicólogo, un maestro

Unas líneas sobre Luis Gracia Iberni

3 de Diciembre de 2007

Puede que sus clases no fueran un derroche de metodicidad y cálculo preciso. Su aspecto desgarbado, su estar aquí pero a la vez en cien partes, sus ojillos que parecían estar escudriñando siempre cada sonido, cada carácter… ¡sus “gloriosos” ejemplos al piano…! Puede que fuera todas esas cosas… y muchas más.

En los últimos años estuvo conviviendo mano a mano con un tío suyo, un tal “tío Pablo”, como él nos contaba en todo momento. “Tío Pablo” por aquí, “tío Pablo” por allá... Ya fuera la clase de Historia de la Danza o la de Crítica y Gestión Musical, Pablo Sarasate tenía que volver a tocar el violín para nosotros. Y es que Iberni se traía entre manos la publicación del estudio definitivo sobre el insigne músico navarro cuando alguien, no sé bien quién, decidió que debía dejarnos sin su “estilazo” narrativo, sin su destreza y magisterio musicológicos.

Iberni el musicólogo, Iberni el maestro. Sus clases eran sensacionales por cuanto de anárquicas y fabulosas tenían. Escucharle era un placer, leerle un gustazo. Se preguntaba en algún momento: “¿Cuándo escucharemos La Cara de Dios?”… La pasión y extrema meticulosidad que imprimió a cada una de las frases de su imprescindible estudio sobre Ruperto Chapí nos abrieron los ojos ante un compositor que durante décadas había sido, simplemente, el autor de La revoltosa. Es por Luis G. Iberni por quien hoy, por ejemplo, podemos decir: El autor de Margarita la tornera.

Pronto, Luis, podrás ver La Cara de Dios, La cortijera o El puñao de rosas en tu Teatro de la Zarzuela. En menos de un mes La bruja, ¿nos suena de algo…? No nos sentiremos tan solos o afligidos cuando podamos escuchar a Don Ruperto o al tío Pablo, porque tú, Luis, al lado de tus alumnos, de tus colegas, incluso de aquellos que no te conocieron en persona, con tu sonrisa y sensibilidad, eras parte de esa música.

::el público en el teatro lírico::

2007-11-18T11:39:00.000+01:00

La verdad es que hoy que es domingo me he levantado con ganas de escribir y ante el inminente concierto al que voy esta tarde a la Zarzuela me he propuesto dejar aquí unas líneas acerca del público en este teatro y en el Real. Por supuesto que éste sería tema para una tesis, pero bueno, ya que tengo este atril de sastre pues lo aprovecho y despotrico contra las cosas que no me gustan. Entiéndase, pues, que ésta es una opinión absolútamente personal y subjetiva.

El público de Madrid es un público en su mayoría bastante ignorante y ordinario. Bueno, en el teatro, en la calle, en el supermercado... y conste que me incluyo en él. Tenemos mucho que ver con el público italiano pero con la diferencia de que en Italia, al menos de ópera, saben un poquito más que nosotros. Son adoradores del canto... nosotros, la mayoría, no. Aquí se adora los momentos, las figuras y poco más. En Italia si alguien canta bien pues se le ovaciona casi hasta el delirio, de manera que raya lo obsceno. En España te aplauden, pero si tienes un nombre, aunque cantes una patata, parece que el teatro entra en éxtasis.

Lo que acabo de decir se pudo ver el viernes, y se verá esta tarde, en el Teatro de la Zarzuela. Cantaba Aquiles Machado, que a día de hoy tiene de todo menos voz. La línea la perdió hace mucho, el color es un desastre... pero canta el "Por el humo se sabe donde está el fuego" y el teatro ¡alaaaa! una ovación desmedida. Con Nanci Herrera lo mismo. La chica canta bien, pero ¿tanto como para gritar de esa manera? Sin embargo hubo actuaciones mucho más interesantes esa velada (como la romanza de El juramente por Bergasa o el dúo de Jugar con fuego junto a Carmen González) y se dieron aplausos de rigor y poco más. ¿Y esto por qué? Pues porque Aquiles Machado es quien es y vive del recuerdo de una Bohème -y poco más- de hace ya casi diez años en el Real. Además si cantas algo de siempre pues la gente ya... el "acabose".

El público del Teatro de la Zarzuela es de lo más ecléctico que uno se pueda figurar. Hay desde entendidos a gente que pasaba por allí y decidió entrar (algo mucho más difícil que en el Real lo veamos empezando por las diferencias de precio.) Grupos de turistas, gente de provincias que vienen en autobús, de señoras con litros de laca en la cabeza para demostrar que se la saben moviendo el casco al ritmo (?) de la música... esas son las peores, not doubt.

En los intermedios del Real y la Zarzuela en general los comentarios suelen ser de ínfimo interés y se suelen centrar en "¡qué bonito canta fulano!" o "... menudo rollo de ópera". El jueves fui a ver The rape of Lucretia al teatro de la Plaza de Oriente y la pija que tenía en el palco de al lado lo único que sabía decir acerca de la obra en el descanso era "... a mí es que estas óperas raras modernas...". Su futura suegra le contestaba "pues sí... pues sí... dame una Tosca, una Traviata... pero ¿estas?..."Y hablando de Tosca os propongo un experimento atropológico entre el público inglés y el público italiano:

En España hubiéramos apaludido (¡y no es para menos!) como en Italia, sin ningún remordimiento por detener la trepidante acción del mítico acto II de la mítica Tosca. Aquí... eso sí, lo haríamos si cantase "Fulanito Cura", "Menganita Bartoli" o similares... vacío, puro vacío. Que no me vengan con pamemas. Es inadmisible el ver cómo se interrumpen una y otra vez las óperas de repertorio con ovaciones tan injustificadas muchas veces y que hacen flaco favor a intérpretes y obra. Pasó en el Boris Godunov tras la muerte del zar; ¿era realmente necesario aplaudir?, ¿no hubiera sido mucho más impresionante para todos un silencio mortuorio?

Yo entiendo que en los recitales se puede aplaudir detrás de cada número, pero un poco de mesura. El concepto mismo de recital es ese, lucir a una figura con sus entradas, salidas etc. etc. Llega a haber atrevidos que aún sin tener ni idea de la obra se atreven a aplaudir en mitad de la misma cuando a él le parece que ha terminado. Ocurrió el viernes en la Zarzuela en el concertante de El anillo de hierro. Oiga, señor, si no conoce la obra, al menos, espérese a ver cuándo hay que aplaudir.

En los bises fue ya la repanocha. La orquesta atacó el dúo-pasodoble de La del Manojo de Rosas y la gente se vio en su derecho de ponerse a cantar a coro con los intérpretes. Al final sonaros los consecuentes chisteos porque aquello se acercaba por momentos al concepto de una barraca de feria y no al del teatro de la ópera cómica española.

¿Pero qué será del Real y de la Zarzuela dentro de 30 años? Bien, yo creo que el Real está sabiendo llevar a cabo una campaña de democratización y echarse a la calle y hacia los jóvenes que le vendrá muy bien para crear un público potencial de futuro. Con las entradas de último minuto para menores de 26 se puede ver casi siempre lleno tan amplio aforo y el que siembra hoy recogerá mañana. Lo más ingenioso que se les ha ocurrido en la Zarzuela es establecer el miércoles como día del espectador así que más que teatro a día de hoy es algo parecido a un cine de barrio. Algunos jóvenes se ven, cada día más, pero no es suficiente. No sé bien cuál es la solución a este problema, que lo es, pero bueno, soy optimista y cada vez veo más gente joven por la calle Jovellanos -¡a pesar de lo difícil que es llegar a ella y la nula presencia de este teatro en la calle!-

No he sido muy duro, ¿no? Esperemos pronto poder aplaudir en la Zarzuela joyas como...

Pasacalle y jota de La bruja (R. Chapí)

::mama cass en dream a little dream of me::

2007-11-10T19:06:00.000+01:00

Hay algunas canciones clásicas, como esta de Dream a little dream of me, que nunca dejarán de ponerme la piel de gallina. La letra emocionante de Gus Kahn y la música de W. Schwand y F. Andre creo que conforman uno de los binomios más sensibles de la historia de la canción y que en voces preciosas como la de Mama Cass creo que nos acerca un poquito a las estrellas.

Por cierto, no podeís dejar de ver y escuchar la versión de la inconmensurable Ella Fitzgerald, quizás más señora, más voz que Mama Cass, pero sin la incierta simplicidad de la solista de los Mamas and the Papas... todo un bombón de la mejor música. Soñad.

::subyugado ante el arte de ana maría sánchez::

2007-11-07T23:37:00.000+01:00

El sábado, con el concierto de José Bros y su esposa María Gallego, se dio el pistoletazo de salida al I Ciclo de Conciertos Líricos de Zarzuela en el teatro de la ídem. Aquello fue, la verdad, un rollo si se plantea desde la perspectiva del programa; no era un concierto atractivo sino que se limitaba a recopilar una serie de piezas trilladísimas para lucimiento de tenor y soprano. Él lo hizo, ¡vaya si lo hizo! y dio una lección de buen gusto en el canto y una exhibición pirotécnica de medios vocales de los que está sobrado. ¡Qué ganas de verle en La bruja que se estrena en diciembre!... Sobre ella, mejor corramos un tupido velo.

Pero lo de hoy, señores míos, ha sido muy diferente, ya que al interés propio que pueden suscitar las voces del cartel se sumaba el de un programa diseñado con delicado gusto: hemos escuchado un poco de todo, algo de género chico, algo de género grande... cosas conocidísimas y otras francamente infrecuentes, en fin, para todos los gustos e intereses. El disfrute, por este lado, estaba garantizado y a pesar que la Orquesta de la Comunidad no acaba de convencerme en este formato y que Roa no creo que haya podido insuflar a todas las piezas el carácter necesario. El coro titular de la casa súmamente discretito.

¿Qué ha sido lo que más ha brillado? Pues sin duda la "interpretación" brillante de un género, y ojo que no me estoy limitando al cante de fulanito o menganito; porque seamos francos, Carlos Moreno no es José Bros... Juan Jesús Rodríguez no es un barítono para caerse sentado... pero hay un "algo" en ellos, sobre todo en Moreno, que hace que cuando se les escucha uno tenga en el rostro una leve sonrisa; un "vaya, este señor está contándome algo"... creo que la palabra sería transmitir. ¡¿Y qué decir de Sonia de Munck!? Es una tiple ligera con un donaire y una elegancia innatos. Su estilo al cantar es único y sin duda resulta óptima para los roles que habitualmente acomete en la compañía Ópera Cómica de Madrid. ¿Te veremos más este año, Sonia? Aún recuerdo su Gallina ciega, su Relámpago... Una de las mejores artistas en el género como ha demostrado hoy con el vals del Chateau Margaux y la polonesa de El barbero de Sevilla.

Pero hoy quiero hablar algo más detenidamente de Ana María Sánchez, que brillando más allá de la estrella polar hoy nos ha dejado boquiabiertos por su manera de decir las dos romanzas y los dos dúos que ha cantado. Empezó con la gavota de La Calesera junto a la De Munck. Bien, muy bien... pero, de repente... la romanza de Gigantes y cabezudos. Memorable. Absolutamente exquisita. Cada una de las frases, cada una de sus maneras de ir desgajando los halientos necesarios para decir de maneras muy diferentes la docena de veces casi que se repite la frase "¿por qué, Dio mío, no sé leer?". En el dúo de El gato montés ha dado lo mejor de sí misma por el venazo andaluz y ha sorprendido con la jondura de su declaración de amor. En esta línea ha llegado a lo mejor de la velada con la romanza de El barquillero, una de las más sutiles del repertorio y que en su voz ha dejado de piedra al auditorio. La ovación ha sido fráncamente emocionante y el lenguaje se queda corto cuando se quiere poner en palabras tamaños conceptos de belleza.

El domingo 25 de noviembre a las 19:00se retransmitirá por Radio Clásica y todos tendreís la ocasión de escucharlo.

Y ahora, una reflexión. ¿Cómo es posible que una soprano como Ana María Sánchez no tenga su agenda llena de compromisos con los mejores teatros, no ya nacionales, donde nunca hemos sabido disfrutar de nuestros mejores productos, sino del extranjero? Alguien como la Sánchez podría estar cantando Otello, Tosca o Un baile de máscaras por medio mundo y ahí la teneís, sin ninguna función de ópera en vistas. En Valencia preparan un Don Carlo y no estará ella en el reparto. En Bilbao, donde siempre ha triunfado, no la llaman desde su Otello último... ¡Y encima se aprendió de memoria la ópera Zigor para sacarles, francamente, de una apuro y ahí está! Es una situación que clama al cielo y que el que les escribe no sabe explicar. Si alguien sabe algo, que lo diga o calle para siempre.

Tú no, Ana María, te lo rogamos, que tu voz nunca calle. A los que apreciamos, aunque sea muy poquito, el arte verdadero, nos hace muy felices.

::un día en el parís de 1867::

2007-11-06T21:59:00.000+01:00

Era el verano de 1867 y medio mundo estaba expuesto en París en una de las más míticas exposiciones universales de toda la historia. Después de las reformas del barón Haussmann un nuevo París de bulevares y magníficos monumentos sorprendía a todos los que podían dejarse caer unos días por la capital del Sena. Son los últimos y dorados días de un II Imperio que perecería con la guerra francoprusiana y en los que el rey de los compositores de teatro cómico musical era ese inconmensurable genio llamado Jacques Offenbach. Para el que quiera zambullirse en esta época y salir mareado de vals y pastel puede ver ese delirio titulado Violetas imperiales sobre la llegada de Napoleón III al trono... pero vamos, hoy quiero hablaros de otra reina.

Si había una monarca en este París esa era Hortense Schneider. Era la diva, la gran diva de la opereta francesa, y para ella escribió el bueno de Offenbach algunos de sus más logrados personajes. Hizo La bella Elena en el 64, o La Pericola en 1868... pero si hay un personaje que la hizo mundialmente popular, si tuviéramos que decir "cuál" de sus creaciones era la Schneider, esa sería La Gran Duquesa de Gerolstein, inolvidable opèra bouffe que se hizo a la medida del gusto de los visitantes de París en ese veranito elegante y ocioso de 1867.

Se estrenó en el Teatro de Variétés y podemos hablar de rotundo éxito. A la Schneider la dio un ataque de pánico minutos antes del comienzo y Offenbach la debió decir que ella vería lo que hacía, pero que la obra iba a darse con o sin ella. Atacó el preludio desde el foso. Cuando Hortense escuchó a las trompetas entonar el tema del sable se la olvidaron los temores. Era la Gran Duquesa y tenía que lucirse delante de lo más granado del mundo. En funciones venideras irían a besar la mano de la Gran Duquesa los propios emperadores de Francia, Napoleón III y Eugenia de Montijo, el Príncipe de Gales, el zar Alejandro II, Bismarck, los reyes de Baviera, Portugal, Suecia... ¡el sultan de Turquia! La Schneider fue la auténtica reina de la Exposición e incluso se presentó como "Gran Duquesa de Gerolstein" cuando no dejaron entrar a su carruaje en una dependencia exclusiva para nobles dentro del recinto ferial.

El mundo entero se postró a sus pies... y a su sable. Por supuesto que aunque Gerolstein es un ducado irreal e inventado por la mente loca y genail de los libretistas Meilhac y Halévy (Carmen, Orfeo en los infiernos...) podemos ver en él cruel sátira del reinado de Isabel II de España como muchos entonces lo entendieron. Un reino lleno de guerra, yernocracia, ascensos absurdos de personas ineptas a los más altos cargos; decadencia y laxitud de valores; hipocresía e ignorancia; oscurantismo y ostentación. Reinado barroco en pleno XIX como el de la Gran Duquesa de Gerolstein en el siglo XVIII en que se desarrolla la trama. Sería interesantísima una lectura castiza, moderna y en castellano de tan magnífica opereta para un público español.

El argumento de la obra es harto sencillo. En Gerolstein están de guerra en guerra. La Gran Duquesa está chiflada por los militares y ninfómana compulsiva se encapricha de jovencitos soldados rasos. Ahí entra Fritz, un tontorrón infeliz al que de repente la Duquesa nombra general de sus ejércitos. A cambio espera de él favores amatorios pero ¡ay! él no la quiere y ni se entera de las pretensiones de ella. Fritz quiere a Wanda, una sencilla aldeana con la que se terminará casando. La Gran Duquesa, despechada, se suma al plan de unos conspiradores golpistas que quieren asesinar a Fritz en su noche de bodas por el acaparamiento de poder al que ha llegado. Finalmente no hay ningún muerto y sí mucho gallope, mucha polca, mucho vals, mucho schottish, mucha redowa. Una partitura elegante pero con momentos de lo más gamberro y canalla. La enseñanza final es que uno debe encontrar la felicidad en lo que tiene... bueno, vale, eso está muy bien ¡y sobre todo si eras de una high life que en 1867 se podía pegar un veranito en París visitando a la Gran Duquesa de Gerolstein por las noches en el teatro de Variétés!

Os dejo dos momentos estelares de la obra: la entrada de ella con su rondó memorable de "Ah, que j´aime les militaires" -¡ah, que me placen los militares!-, y los cuplés del general Boum, precisamente uno de los sujetos que terminarán odiando al tonto de Fritz y que en Madrid en la traducción castellana estrenó Francisco Arderius, la mente genial que nos exportó a los madrileños el género teatral de los Bufos Parisinos de Offenbach pero en su versión matritense: Los Bufos Madrileños -¡precisamente en el Teatro Variedades de la calle de la Magdalena!- y que en 1869 pasarían a ser Los Bufos Arderius. Termino con un vídeo alucinante con el popular gallope de esta opereta pero en una visión muy particular entre Napoleón y el propio Hitler: "¡A caballo, a caballo, rápido, señor general!".

::una de fantasmas::

2007-10-30T23:29:00.000+01:00

Mañana se celebra la noche de Halloween, costumbre anglosajona de origen irlandes si no recuerdo mal que cada año se impone más en España por esta americanitis tan propia a todo el mundo occidental globalizado. Pero bueno, supongo que siempre ha sido así. Las costumbres se transforman en función de una sociedad que las hace y da sentido. No lo critico, aunque echo de menos una buena función del Tenorio en la corte llegada la fecha. Este año, por lo que he visto en la cartelera, sólo en Alcalá de Henares se montará, como cada año en dicha ciudad, la inmortal obra de Zorrilla. Una pieza teatral de relativo valor literario pero que, reconozcámoslo, tiene la fuerza, el vigor de lo decadente, de lo románticamente imposible.

El Tenorio de Zorrilla, drama fantástico-religioso, al final va al cielo, pero no así el que hoy os propongo... Hablo del Don Giovanni de Lorenzo da Ponte con música de W. G. Mozart. Sus autores lo denominaron "dramma giocoso", aunque normalmente los directores suelen afrontarlo más por lo dramático que por lo que tiene de scherzante o giocoso. La escena que os cuelgo no puede ser otra que la del convidado de piedra. La versión es la clásica del Festival de Salzburgo de 1954 con Fürtwangler en el foso. Reparto de lujo aunque lamento la dirección musical tan sumamente lenta y pesada. Aún así le da al cuadro un algo de patética solemnidad muy propio. Disfrutadla...

Después de tanto terror concedamos una nota de perdón a nuestro héroe (¿o es antihéroe?) sevillano con los últimos versos de Zorrilla:

¡Clemente Dios, gloria a Tí!
Mañana a los sevillano
aterrará el creer que a manos
de mis víctimas caí.
Mas es justo: quede aquí
el universo notorio
que, pues me abre el purgatorio
un punto de penitencia,
es el Dios de la clemencia
el Dios de Don Juan Tenorio.

(Cae Don Juan a los pies de Doña Inés, y mueren ambos. De sus bocas salen sus almas representadas en dos brillantes llamas, que se pierden en el espacio al son de la música. Cae el telón)

::parís... parís... piaf...piaf...::

2007-10-23T00:27:00.000+02:00

::que mi nombre no se borre de la historia::

2007-10-22T16:08:00.000+02:00

Ayer acudí al cine a ver la película recién estrenada de Martínez-Lázaro Las 13 Rosas. ¿Qué decir de ella si aún la emoción me aprieta en la garganta cuando rememoro la mayoría de sus escenas? Como película es muy notable. No creo que se pueda contar mejor y mantener el interés por una historia de la que todos conocemos el final mal que nos pese. El único "pero" que le pondría al filme serían los títulos de crédito, quizás más televisivos que cinematográficos, pero vamos, una delicia de película con unas interpretaciones soberbias de la primera a la última -sería injusto ponerme a decir nombres pues quizás olvidase más de uno-. No podeís dejar de ir a verla.

Pero además no se puede dejar de ir a verla por los valores ya méramente históricos y documentales de la obra. Parece mentira que aún en 2007 haya gente que se escude en argumentos banales para querer echar atrás una Ley por la Memoria Histórica o que aún haya gente que te diga que si la guerra empezó porque ya se estaban pasando los rojos o si no sé qué de 1934 o no sé cuanto de "pues a uno de mi pueblo...". A toda esa indecencia de chusma derechista, a toda esa gentuza, hijos de pistoleros y golpistas en gran parte, ignorantes muchos y dirigentes de un Partido Popular cuyas raices se hunden en la más oscura etapa de nuestra historia reciente, se les puede decir que vayan a ver películas como Las 13 Rosas; la verdad duele y te da un golpetazo en la cara cuando ves historias como las que nos cuenta el director de este largometraje.

Por el digno recuerdo de una España que nunca nos contaron bien y que los jóvenes estamos obligados a conocer; para reivindicarla y luchar por recoger y hacer crecer la semilla que plantaran los demócratas en ella. Porque no queremos repetir las atrocidades del pasado, vaya mi recuerdo por las 13 Rosas Rojas.

-Os recomiendo este pormenorizado artículo sobre el asunto y la película de Jesús Ruiz Mantilla.
-Para saber más sobre las 13 Rosas no dejeís de leer el resumen de su tremenda historia, simbólica y dolorosa, en la wikipedia.

::desde las profundidades de castilla::

2007-10-21T14:56:00.001+02:00

De lo más profundo nació la música de una zarzuela de la que hoy no nos acordamos muchos: El cantar del arriero con melodramático y a veces folclórico libreto de Adame y Torrado y música, que huele a barro y a caminar de los bueyes, de Díaz Giles. En ella se ve el polvazo del llano, el lejano perfil de las montañas... a veces un poco de aroma de tomillo pero, en seguida, volvemos a la realidad del camino incesante del arriero.

Se estrenó en 1930 en el Teatro Victoria de Barcelona y en mayo de 1931 en el Calderón de Madrid. Desde entonces en la zona del levante se ha puesto en infinidad de veces pero en Madrid nunca llegó a cuajar. Quizás en la Corte se estaba ya un poco cansados de la alpargata o quizás se tenía como precedente una alpargata de tan fina factura como La rosa del azafrán (Romero-Shaw-Guerrero)... El caso es que desde aquí reivindico la música de este zarzuelón cuyo argumento completamente desarrollado podeís leer aquí y que por cortesía de una amiga podemos decargarnos todos en el siguiente enlace:

El Cantar Del Arriero.zip (53.39 MB)
http://www.megaupload.com/?d=EG8BWHVI

DOLORES CAVA (Soprano).....................Mariblanca
JULITA BERMEJO (Tiple cómica).............Gloria
MANUEL AUSENSI (Barítono)................Lorenzo
CARLOS MUNGUÍA (Tenor) ...................Anselmo
GERARDO MONREAL (Tenor cómico).......Braulio
GREGORIO GIL (Tenor)........................“Cigüeño”
CORO CANTORES DE MADRID................Dr. José Perera
ORQUESTA SINFÓNICA..........................Dr. Benito Lauret

Lago de Sanabria, en cuya zona transcurre la acción de El cantar del arriero

::se busca chulapona::

2007-10-14T14:28:00.000+02:00

(Sale un actor a telón corrido y dice)

¡Madrid, el viejo, se está muriendo!
¡Nos abandona! ¡No volverá!
¡Se fue educando y enriquecido,
y poco a poco fue decayendo
de tal manera, que no es él ya!
Ya no es el que era. Salió de viaje
y trajo un aire muy parisién.
Gusta del wiski y el maquillaje,
chuta, boxea, cambia de traje,
y es una estampa de un magasén.
El boticario de la Paloma
se ha vuelto un barman de bulevar,
y los narcóticos de su redoma
-opio y morfina que fuma y toma-
son el reclamo para su bar.
Madrid, hoy pálido, tiene una mueca
muy "siglo veinte", muy "gran hotel";
y el efebismo de una muñeca
que no se sabe si, cuando peca,
es una fémina o es un doncel.
Vendió su alma por lo aparente
de una mundana modernidad,
pues ignoraba -¡pobre inocente!-
que iba a vestirse grotescamente,
con el deshecho de otra ciudad.
Era un romántico y era pequeño...
Muy galdosiano, muy de café.
Y en la tertulia, siempre risueño,
descabezando su fácil sueño,
se deleitaba con el rapé.
Pero, de pronto, sintiose un día
la convulsiva renovación,
y la anticuada litografía,
llena de suave melancolía,
es un cubista chafarrinón.
Y ahora, medroso y acobardado
de su romántica antigüedad,
Madrid, el viejo, se ha extraviado
y anda sin rumbo por la ciudad.
Madrid ha muerto. Se alza en un revuelo
cuando el entierro se oye pasar,
y entre los flecos de su pañuelo,
pálida y llena de desconsuelo,
la Revoltosa rompe a llorar.
Y arrodillándose triste y llororsa,
trágicamente tira un clavel.
Detrás la gente, va silenciosa.
Cierra la noche. Todo reposa.
¡Madrid ha muerto! ¡Llorad por él!

(Intermedio de Rosa de Madrid. Luis Fernández Ardavín)

::teresa berganza y hermann prey en el barbero de sevilla::

2007-10-13T14:17:00.000+02:00

::el boris godunov del real::

2007-10-12T12:53:00.000+02:00

Por fin se inauguró la temporada lírica del Teatro Real y el pasado miércoles, día 10, asistí a ver la sobrecogedora ópera Boris Godunov de Musorgski. Esta obra, para quien no la conozca, narra las desventuras y tormentos de un zar que llega al trono de manera "poco limpia" y la verdad es que poco más se puede decir. Una obra shakesperiana si se me permite, donde se reflexiona sobre el poder, la vida y la muerte. Un Macbeth "alla russa" que impresiona por su fuerza y donde se cuestionan verdades trascendentales que hacen que en tu butaca uses la cabeza para algo más que el "¡oh! qué bien canta" (algo que, dicho sea de paso, me suele ocurrir con frecuencia con las óperas del repertorio no-mediterráneo.)

La obra de Musorgski es, además, un hito en la historia de la ópera. No se entendería lo que vino después sin ella. El trabajo dramático-textual en relación con la música, esa especie de prosodia melódica que a veces alcanza el arioso y a veces se diluye en el cantus firmus quasi ortodoxo, prepararon el camino, por ejemplo, haci un Pelléas et Mélisande de Debussy o muchas de las pautas canoras de la segunda escuela de Viena (¡Wozzeck de Alban Berg!). El germen, la semilla, ya la había plantado Musorgsky casi treinta años antes en el Moscú de Alejandro II.

La elección de un obrón así para abrir temporada creo que es arriesgada. Los cuerpos estables del teatro, el coro y la orquesta, aún están fríos y en una obra donde se les exige tanto, la verdad, opino que se quedaron algo "cortos". No me convenció López Cobos desde foso (aunque en las partes más sombrías logro una densidad y unas texturas emocionantes). En las partes más brillantes yo no sé si eran los desacompasados tempi, las irregularidades tímbrics o las monstruosas desafinaciones de los viento-metal pero ay, ay, ay... aquelló no acabó de cuajar. El coro dirgido por Casas-Bayer bien, más o menos, en el último cuadro pero nada convincente en las escenas de la coronación de Boris. Le falta anchura, dimensión... sonar más "ruso".

Los solistas vocales muy correctos todos. Scandiuzzi como Boris estuvo bastante bien y en sus tres monólogos, en especial el de su muerte, llegó a conmoverme. El soberbio Pimen de Kotchinian, el Chuisi de Donal Kaasch, Varlaam por Vladimir Ognovenko... Itxaro Mentxaka cantando la canción del pato. Todos bastante bien. El Grigori de Vsevolod Grivnov me resultó algo chillón pero correcto. En fin, que en este aspecto un notable para todos y un aplauso sonoro por el esfuerzo realizado.

Para terminar comentar que la dirección de escena de Klaus Michael Grüber fue más o menos interesante pero lo que no se puede permitir es la tomadura de pelo del escenógrafo Eduardo Arroyo. ¿Cómo se permite algo tan absolutamente cutre para una obra de estas características? El resultado fue absolutamente anodino merced a unos decorados planos, fríos, asépticos que no decían absolutamente nada. Delirio de un pintor que se cree que escenificar una ópera es pintar un cuadro para cada escena. Nulo sentido teatral que Grüber no debía haber permitido. Los bostezos y los ojos cerrados fueron un constante en el paraiso del Real cuando se trata, precisamente, de una obra que concebida como gran retablo pictórico-musical de la Rusia del siglo XVII puede llegar a ser alucinante. Arroyo debería, además, no haberse reido tanto del público del Real puesto que si recordamos su anterior escenografía para Desde la casa de los muertos ¡es igual! Pájaros gigantescos, insectos, colores planos, frialdad, nulo atrezzo... en el Janacek, a lo mejor tenía sentido, en Boris ha sido una patochada y una absurdez. Una pena, una gran oportunidad perdida para demostrarnos a los madrileños que la ópera rusa es, y debe ser, ese gran drama musico-nacional con el que soñaron sus autores. Volvería a la ópera por ver el primer reparto musical pero creo que mejor me quedo en casa para no aburrirme tanto.

El único cuadro que salvo de este montaje, la muerte de Boris.

::un vals entre vicente aleixandre y josef strauss::

2007-10-09T22:19:00.000+02:00

En genios como Aleixandre la palabra podía ser el compás perfecto para la danza. En su libro Espadas como labios -escrito entre 1931 y 1932- presentó uno de los poemas de amor más interesantes de nuestra literatura por cuanto tiene de sarcástico pero a la vez de sentido. Un poema titulado como la danza reina de los salones del XIX, "El vals", en el que se recrea estos espacios de hedonismo en decadencia, y que tiene el ritmo de dicho baile, ternario, infinito... que acelera y decelera a medida que fluyen las melodías en mayores o menores tandas. Para acompañar su lectura os propongo el "Vals Dynamiden" de Josef Strauss, hermano de Johann Strauss II (el popular autor de Junto al bello Danubio azul, Sangre vienesa o Rosas del sur).

Josef era un compositor romántico, en la línea de un Chopin o Schubert. A día de hoy podemos decir sin rubor que era mejor músico -bastante mejor músico- que su popularísimo hermano. Quizás su melodismo no era tan desbordante, pero sus valses, por la construcción, organización de las ideas e instrumentación brillante, son pequeñas joyitas, mini-poemas sinfónicos que ya va siendo hora de rescatar y que sean igual de conocidos que los de su hermano. En este vals que cuelgo, por cierto, se inspiró Richard Strauss -nada que ver con la familia de compositores vieneses- para uno de sus más conocidos temas de la ópera El caballero de la rosa ("mit mir, mit mir, mit mir..."), el machacón y pegadizo vals del Barón Ochs.

Con todos ustedes, El vals.

Eres hermosa como la piedra,
oh difunta;
Oh viva, oh viva, eres dichosa como la nave.
Esta orquesta que agita
mis cuidados como una negligencia,
como un elegante bendecir de buen tono,
ignora el vello de los pubis,
ignora la risa que sale del esternón como una gran batuta.

Unas olas de afrecho,
un poco de serrín en los ojos,
o si acaso en las sienes,
o acaso adornando las cabelleras;
unas faldas largas hechas de colas de cocodrilos;
unas lenguas o unas sonrisas hechas con caparazones de cangrejos.
Todo lo que está suficientemente visto
no puede sorprender a nadie.

Las damas aguardan su momento sentadas sobre una lágrima,
disimulando la humedad a fuerza de abanico insistente.
Y los caballeros abandonados de sus traseros
quieren atraer todas las miradas a la fuerza hacia sus bigotes.

Pero el vals ha llegado.
Es una playa sin ondas,
es un entrechocar de conchas, de tacones, de espumas o de dentaduras postizas.
Es todo lo revuelto que arriba.

Pechos exuberantes en bandeja en los brazos,
dulces tartas caídas sobre los hombros llorosos,
una languidez que revierte,
un beso sorprendido en el instante que se hacía «cabello de ángel»,
un dulce «sí» de cristal pintado de verde.

Un polvillo de azúcar sobre las frentes
da una blancura cándida a las palabras limadas,
y las manos se acortan más redondeadas que nunca,
mientras fruncen los vestidos hechos de esparto querido.

Las cabezas son nubes, la música es una larga goma,
las colas de plomo casi vuelan, y el estrépito
se ha convertido en los corazones en oleadas de sangre,
en un licor, si blanco, que sabe a memoria o a cita.

Adiós, adiós, esmeralda, amatista o misterio;
adiós, como una bola enorme ha llegado el instante,
el preciso momento de la desnudez cabeza abajo,
cuando los vellos van a pinchar los labios obscenos que saben.
Es el instante, el momento de decir la palabra que estalla,
el momento en que los vestidos se convertirán en aves,
las ventanas en gritos,
las luces en ¡socorro!
y ese beso que estaba (en el rincón) entre dos bocas
se convertirá en una espina
que dispensará la muerte diciendo:
Yo os amo.

::morir, dormir... dormir, tal vez soñar::

2007-10-08T15:55:00.000+02:00

El Hamlet que disfruté ayer tarde en Réplika Teatro será inolvidable. Era la primera vez que veía un Shakespeare sobre las tablas y ¡Dios, qué fuerza! Ahora entiendo tantos y tantos textos en los que nos cuentan cómo de Shakespeare abajo, ninguno. La intensísima tragedia del príncipe Hamlet, de la reina Gertrudis y del odioso rey Claudio sobre las tablas cobra una intensidad que nunca pude imaginar. Pero estoy seguro que nada de esto hubiera podido ser posible sin la fineza del montaje y la versión teatral que nos han ofrecido los artistas de Réplika bajo la dirección de Jaroslaw Bielski.

El Hamlet de Raúl Chacón es un hombre ante el abismo, un lobo en trance en la cuerda floja de la verdad y la mentira, ¿está loco de verdad, o no lo está? Un Hamlet romántico, y a la vez barroco, lleno de contrastes y de verdad... ¿o de mentira? ¿duerme o sueña? Trágico y oscuro desde el principio en sus soliloquios pero lleno de luz en los diálogos con Horacio, Ofelia, Claudio o (¡inolvidable!) con su madre la reina. Bravo por él. Si con lo joven que es ha logrado una creación tan acabada de este personaje, ¿¡qué puede venir después?! ¿Segismundo?... Lo que él se proponga. A los clásicos no hay que tenerles miedo y creo que en su manera de decir el verso hay un algo de maestría que sólo saben alcanzar los que han nacido para este extraño mundo del teatro.

Otra "grande, grande", para mi gusto, fue Socorro Anadón, que perfiló una Gertrudis hierática y sensual pero que poco a poco se derrumba hasta conseguir arrancar las lágrimas al público con su escena de la copa de veneno y el pañuelo con que seca el sudor a su hijo Hamlet. De verdad, el público se quedó de piedra con sus intervenciones. Una gran dama de las tablas con el porte y el acento perfecto e inmejorable para un papel complicadísimo como el de Gertrudis.

Sería un pecado no citar la frágil y dolorosa Ofelia de la jovencísima Marta Eguía -¡qué diálogos con Hamlet, qué escena de locura!-, el histriónico y magnífico Polonio de Luis Martí, el Claudio, también muy joven, de Borja Manero, o el honrado y siempre cumplidor Horacio de Pablo Castañón. Secundarios impecables y montaje sencillo pero que no resultaba, en absoluto, carente de nada. Solucionadas con efecto las escenas de las apariciones del rey Hamlet, la de los cómicos, la del entierro y, ¡cómo no!, la del duelo final.

Un duelo entre los espectadores y los artistas en este Hamlet de Réplika Teatro. Un duelo que nos inquieta con cuestiones universales y que hoy en día deberíamos plantearnos más que nunca. "¿Somos o no somos?... ¿morir... dormir... soñar... silencio?"... Las funciones terminaron ayer domingo, pero el Hamlet de Réplika regresará a Madrid en el mes de enero, prometo recordároslo para que no os lo perdaís. Acción reflexiva en un Hamlet vital que no olvida.

Me despido por hoy, no sin antes dejaros un poquito de música. La preciosa escena de locura de Ofelia de la opéra lirique de Ambroise Thomas, Hamlet, estrenada en París en 1868. Natalie Dessay canta, cómo no, e interpreta el comprometido papel con maestría y entrega desmedida. Todo un bombón.

::pues a mí me gusta::

2007-10-07T14:03:00.000+02:00

El Teatro Real cumple esta semana 10 años de trayectoria desde que se reabriera en 1997 después de varios años de obras y más de una polémica en torno a los presupuestos desorbitados que fueron creciendo y creciendo a medida que avanzaban los meses. Pero bueno, se abrió el Real, y todos recordamos ese precioso programa doble con que se inauguró, El sombrero de tres picos junto a La vida breve, ambas de Manuel de Falla y que ójala hubieran sentado precedente para una mayor presencia del repertorio clásico español en lo venidero. No ha sido así, pero no me quejo del todo.

En diez años el Real ha ido creciendo y aunque aún podamos poner muchas pegas a sus programaciones creo que nos vamos acercando, poco a poco, a lo que se supone debe ser un gran coliseo de ópera al nivel de cualquiera europeo: temporada variada donde convivan repertorio clásico, moderno, contemporáneo y español... un nivel artístico en intérpretes y directores musicales y de escena intachable... acercamiento del teatro a "la calle", a los más jóvenes... etc, etc...

Creo que se está consiguiendo. Los jóvenes que quieren ver ópera pueden hacerlo, con entradas como muy caras a 14 euros en el ya popular "último minuto". El Real sale a la calle en numerosas ocasiones -jornadas de puertas abiertas, noches en blanco, conciertos y proyecciones en la Plaza de Oriente-, a lo largo de las últimas temporadas ha incrementado su oferta pedagógica e infantil... en fin, una serie de elementos que han hecho que "El Real" haya vuelto a formar parte d ela vida social y cultural más plena de la ciudad de Madrid. El Real de hoy es el Real de Miau o de Fortunata y Jacinta pero en pleno siglo XXI. Un teatro de solera y hasta, diría yo, "castizo". No será tan bonito como el Liceu, pero oye, "el Real" es "el Real" y los madrileños podemos estar orgullosos de él, por su gloriosa historia y por lo que ahora significa y puede llegar a significar.

Apoyo la temporada actual, 2007-2008, a pesar de que muchos echan en falta algún Verdi, Donizetti o Puccini -no digo un Bellini porque no se representa desde hace nueve años y pocos han dicho nada hasta ahora-. Tendremos ópera "moderna" y contemporánea (destaco porque me encantan el Janacek y los Britten), romántica (Tristán e Isolda, La Gioconda, Tancredi), clásica (Idomeneo, La clemencia de Tito, Orfeo y Euridice...). Una ópera de un español pero de corte y cantada en italiano, El cascarrabias de buen corazón, de Martín y Soler. En fin, un poco de todo. Con lo que nos deberíamos quedar es con que el aficionado a la lírica podrá escuchar, entre óperas escenificadas, semiescenificadas y en concierto, una veintena de títulos en esta temporada. Y todo esto en diez años... Eso sí, ¡exigimos más zarzuela y la entrada de opereta en sus programaciones, que ya va siendo hora!

¡Ya podía aprender del Real el Teatro de la Zarzuela!... Cierto que el presupuesto no es el mismo, si me apuras hasta el enclave del teatro hace mucho, pero no es excusa en cualquier caso. Es un problema de gestión, es decir, ¡de mala gestión! Mientras en la Zarzuela sigan nombrando a dedo a sus directivos por ser la familia del novio de menganito así andaremos de mal -cuatro producciones al año y, bueno, sí... este año cuatro conciertitos líricos-.

Felicidades al Real y a los que le hacen posible.

P.S.: ¿Cuándo podremos ver de nuevo la Aida en el Real?, teniendo en cuenta de que es la obra más representada de este teatro, casi su ópera fetiche, y que a mí me encanta, jeje, ya va siendo hora de reponerla o, por ejemplo, traer el paseadísimo montaje del Liceu basado en la escenografía de Mestre Cabanés de 1945. Os dejo a Kraus con el popular aria "Celeste Aida":

Quien quiera saber más sobre el concierto que se dará el jueves para festejar el evento aquí le dejo un link con el "solemne" programa.

::la mujer en la zarzuela - últimas heroínas::

2007-10-03T22:19:00.000+02:00

Con este post daré fin a la serie de heroínas que inicié a principios de septiembre y que, vaya, ya va siendo hora de terminar. He hablado de varias de mis preferidas, de Adriana, de Mélisande, de Lucia, de Salome... pero no he hablado de mis verdaderamente preferidas, de las auténticamente heroínas: las protagonistas de muchísimas zarzuelas, de muchos sainetes líricos. Hablo de la mujer trabajadora que, más o menos ensoñada por unos libretistas burgueses, varones y heterosexuales, configuran un mosaico de emociones de carne y hueso, de penas y miserias, de alegrías y alborozos.

No hablo ni de Francisquitas, ni de Luisas Fernandas. Hablo de Marola, tabernera en un puerto lejano, de Mari Pepa, chulapona planchadora, de Ascensión, que nos vende flores en La del Manojo de Rosas, de Aurora, alfarera a la que cantan parrandas bajo la ventana...

... pero hablo, por encima de todas, de una criatura sinpar: Pilar, protagonista de una de las más imponentes zarzuelas: Gigantes y cabezudos, con libro de Miguel Echagaray y música de Fernández Caballero (El dúo de La Africana, La viejecita, Los sobrinos del Capitán Grant...).

La obra se estrenó en noviembre de 1898, en un Teatro de la Zarzuela lleno hasta la bandera por burgueses y no tan burgueses que habían visto roto en pocos meses el sueño del gran quijotismo español. España, que no es mala pero tampoco sabe ser buena, con el Desastre Nacional, se dio a sí misma la puntilla definitiva. Un país que se quedaba más hambriento, pobre, solo y avergonzado que nunca. Pero eso sí, un país que no se resistía, que oiga señores, que aquí no pasa nada y que hay que comer y sobrevivir. Así lo entendía la gente humilde, los que realmente sinitieron en sus carnes la puñalada de la guerra. Si no fue en Cuba, fue en Filipinas... y a quien no le tocó pues pronto le llegaría "su" Africa.

Pilar es verdulera. Tiene su puesto en una plaza cercana al Pilar de Zaragoza. De honrado corazón se presenta voluntaria para representar a las vendedoras en el Ayuntamiento y protestar por la subida injusta de los presupuestos (¡un 100%!). Pero las desdichas de Pilar no terminan ahí. Es analfabeta, como el 70% de las mujeres españolas a finales del XIX, y un policia malasangre la engaña al leerle las cartas que su novio, desdichado, la envía desde Cuba de donde no ha podido regresar todavía.

La serie de calamidades por las que Pilar pasa -que a veces nos hacen esbozar una sonrisilla por no llorar- van in crescendo, como la inolvidable jota que entonará en el climax de la obra durante las fiestas del Pilar y que nos recuerda que aún por mucho mal que nos esté pasando ahí estamos los maños -y digamos por expansión, los españoles- siendo gigantes y cabezudos:

Luchando tercos y rudos
grandes para los reveses
somos los aragoneses
gigantes y cabezudos.

La zarzuela tiene final feliz. Su Jesusico regresa y aunque ella no sepa leer formarán una familia que entre los dos (ojo, entre los dos... que se lo digan a cualquier pavisosa de ópera) sacarán adelante. Por ser gigantes y por ser cabezudos, por ser honrados y trabajadores. Así fueron tantas y tantas protagonistas de zarzuelas... así fueron tantas y tantas españolas, mujeres trabajadoras a las que, aunque no estemos a 18 de marzo, dedico este post.

Para terminar os invito a que escucheís la preciosa romanza de Pilar en la que se lamente por no saber leer las cartas que le envía Jesús desde Cuba... "¿por qué, Dios mío, no sé leer?".

Esta es su carta
es el cartero después del otro
lo que más quiero.
Tardó la carta
cerca de un año.
Vive y me quiere
mi pobre maño.
¿Qué me dirá?
Vamos a ver.
¡Por qué Dios mío no sé leer!

Si no doy esta carta a leer
lo que escribe yo voy a ignorar,
mas no debe ninguno saber
lo que el chiquío le cuenta a Pilar.

Me leen sus cartas mal
y deprisa y acaban siempre
muertos de risa.
Que esas se rien no puede ser.
¡Por qué, Dios mío no sé leer!

Las cuatro caras llenas están,
ésta es su firma
¿qué me dirá?
Me dirá que me quiere de veras,
que soy mona y rica,
me dirá que al rezar
no se olvida de la Pilarica.

Me dirá que esta hambriento
y sediento y enfermo
y cansado y que va por maniguas
y charcas sin pan ni calzado.
Me dirá que ni Cuba es hermosa,
ni dulce la caña
y que piensa en su pobre baturra
que llora en España.

¿Dirá otras cosas?
Bien puede ser.
¡Por qué, Dios mío no sé leer!

Tal vez su vuelta me anunciará.
Tal vez enfermo se encontrará,
y ¡ay Dios! a verle no vuelva ya.
Duda cruel ya no asaltó
y hace latir mi corazón.
Qué me dirá
Yo no lo sé,
¡Por qué, Dios mío no sé leer!

::vuelta a clase... la única solución... el champán::

2007-10-02T23:18:00.000+02:00

Re-la-mi-do... re-la-mi-do... las lecciones de solfeo pueden acabar siendo tediosas... Mientras mi amigo Javi me ayuda a buscar solución estética para mi blog he regresado al antiguo formato para poder desahogarme de vez en cuando por estos lares.

Hoy empezarpn las clases en la universidad y creo que la musicología va a absorber mis tardes a pasos de gigante. Me quedo todos los días a comer en Ciudad Universitaria así que doy las gracias a los horarios antipedagógicos donde los haya del departamento. Horarios elaborados a la medida de los maestros, no de los alumnos. ¿Que se dan cinco horas seguidas con el mismo profesor de dos asignaturas espesísimas? ¡¡Qué más da, hombre!! Es que oye, es una eminencia.

No cuela.

Re-la-mi-do... re-la-mi-do... Yo sigo con mis niños y mis clases particulares de solfeo y piano... llueve y llueve, menudo día. Siguen cantando y aporreando el piano (¿por qué no elegirían los padres como instrumento la pianola y el organillo?). En fin, qué tiempos los del Conservatorio María Cristina, cuando enseñaban Arrieta, el ilustre compositor de Marina y Emilio Serrano. En mis tiempos (finales de los noventa... principios de siglo XXI) aprendíamos con métodos escritos en los años 20 de Conrado del Campo y cía... uhm... creo que el Conservatorio tampoco es ejemplo de pedagogía... ¡Agggg!

RE-LA-MI-DO
RE-LA-MI-DO...

Siempre nos quedará el champán... Ay, ¡qué noche la del viernes!... Von Otter haciéndose la borracha en la maravillosa Pericola de Offenbach. El aria-mazurka de la borrachera.

::mis heroínas preferidas (V) - salomé::

2007-09-23T18:01:00.001+02:00

Oscar Wilde pensó su inolvidable y anfibio personaje para "la Divina", para Sara Bernhardt. El personaje, como todos los que creó la actriz inglesa se convirtió en un icono de su época, en un icono del mal, de un siglo XX sanguinario que estaba a punto de comenzar (1893). Salomé es la profanación de lo más sagrado, la ruptura con todo lo anterior. Uno de los personajes femeninos más transgresores del imaginario de nuestra cultura y protagonista de una obra de teatro "maldita" que no se pudo representar en Inglaterra hasta medio siglo después de la muerte de Wilde.

Richard Strauss (compositor de las óperas El caballero de la rosa, Elektra, o el poema sinfónico Así habló Zaratustra) vio una representación alemana de la Salomé de Wilde y se dijo: "aquí hay chicha para un operón". Lo escribió, sobre traducción y ligera adaptación del texto inglés, y se estrenó en Dresde en 1905. El escándalo fue monumental. La música era demoledora para los oídos de la época, aún poco acostumbrados al primitivismo musical. En Viena y Londrés fue retocada y pasada por censura para poder estrenarla. En Nueva York directamente suspendieron las funciones ante el ruido provocado por los alborotadores en la noche del estreno. En España fue un aunténtico revulsivo y conmocionó al ambiente musical de la época como años antes habían hecho los poemas musicales de este genio de Munich.

Versiones buenas de Salomé he visto varias en Youtube... de la escena de los siete velos, del dúo con Yokanaan (Juan el Bautista)... pero hoy os dejo -para reírnos un poco- una versión absolutamente rompedora de un loco de Internet que se hace vídeos-playbacks recreando su mundo musical predilecto (la gran ópera del XX y el sinfonismo romántico). Su rostro, por momentos, nos puede remitir a la Bernhardt que ójala hubiera vivido más para poder grabar en vídeo a su inolvidable personaje. El vídeo lo selecciono, además, porque tiene subtítulos en inglés y podemos enterarnos de lo que nos cuenta la bailarina lúbrica y sanguinaria antes de que el rey Herodes ordene su ejecución.

Con todos ustedes, Salomé frente a la cabeza decapitada de El Bautista (agárrense a los asientos.)

::la noche en blanco en cuchilleros::

2007-09-22T13:32:00.000+02:00

Doña Francisquita, comedia lírica de Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw. Música de Amadeu Vives. Acto III. Cuadro II.

Patio de una casa. En el lateral izquierdo, una puerta que comunica directamente con la calle. En el fondo de la planta baja, puerta central que da acceso a un salón y una ventana a cada lado. En la planta alta, corredor volado, y, en él, una o dos puertas, del piso entresuelo. En el lateral izquierdo, escalera que une el corredor con el patio. Bancos convenientemente distribuidos. Varios faroles de aceite encendidos. Por encima de la tapia que cierra el lateral derecho, luz de luna.

Esta es la acotación que da comienzo a un cuadro noctámbulo como pocos. Los madrileños de los años 30 del XIX, del Madrid fernandino, se daban cita en el Baile de Cuchilleros, cercano a la famosa puerta de la Plaza Mayor, para bailar, reír, beber y quererse toda la noche.

Entre ellos, Aurora la Beltrana, célebre tonadillera del Teatro de la Cruz que se arranca a cantarse el maravilloso "Bolero del Marabú". Sirva, de paso, como homenaje a la inolvidable Emma Penella.

Un romántico - ¡Bravo! ¡Bien por la Beltrana!

Otro- ¿Y no se baila el fandango?

Otro- ¿Cómo que no? ¡Venga el baile!

Esta noche es "La noche en blanco". Un año más el Ayuntamiento se olvida de una de las manifestaciones musicales más netamente madrileñas y no hay nada de nada de zarzuela en el programa. Con esta orgía musical que es el cuadro del Cuchilleros en Doña Francisquita por lo menos podemos imaginarnos una noche del Madrid romántico... lleno de parejas furtivas, serenos cantando las horas y algún rasgueo de guitarras y cantes boleros a lo lejor.

Porque mi noche de ayer fue lo más parecido a todo esto, pero en 2007... ¡vaya por todos ustedes y por tí especialmente! Porque esta noche "en blanco" sea para todos inolvidable y porque el año que viene, "algo", aunque sea poquito, nos den de buena música.

::está escrito en las estrellas::

2007-09-18T22:44:00.000+02:00

La opereta es lo que tiene. Magia, ilusión y a veces más de una lagrimita. Quiero hablaros hoy de Giuditta, una de mis obras preferidas de este género y que contiene algunos de los momentos más bellos y sobrecogedores de los que escribiera su eminente autor, Franz Lehár. El compositor de El país de las sonrisas o Eva puso la doble barra final a su carrera con esta opereta de 1934 en la que intentó, una vez más, acercarse a lo operístico pero sin olvidar que escribía para un gran público que ansiaba de él sus arrebatadoras melodías de opereta que a todos gustaban y a todos llegaban. Giuditta se estrenó en la Staatsoper de Viena, no en un teatro de opereta. No gustó mucho al principio; cuando la obra llegó a las salas opereteras fue un exitazo y se ha mantenido en cartel hasta hoy en día.

Para algunos estudiosos del asunto Giuditta es la obra maestra de Lehár. Yo no diré tal. Más "auténticas" y absolutamente redondas son El conde de Luxemburgo o La viuda alegre. Sin embargo, en Giuditta el maestro andó muy pero que muy acertado. El argumento es bastante triste, como venía siendo habitual en las operetas de a partir de los años 20, cada vez más melancólicas y decadentes. Sus autores soñaban con un mundo que desde la 1ª Guerra Mundial había desaparecido y al que nunca podrían regresar. Giuditta vive en algún lugar medio desierto, medio exótico, de la costa mediterránea africana. Allí conoce a un militar, Octavio, al que adora y con el que comienza una relación. Octavio es llamado a la tropa y debe abandonar a Giuditta; ésta le ruega que se haga desertor y que no la abandone como han hecho todos los hombres a los que ha amado. Octavio huye y ella decide cantar en un cabaré de la zona. Octavio volverá pero ya nunca podrán volver a quererse bien y la obra termina con un sabor bastante agridulce.

Pero hoy estoy muy contento y no quiero contaros penas. Os cuelgo un vídeo maravilloso de Ana Netrebko cantando ¡y bailando! la romanza de Giuditta en la que relata a los espectadores del cabaré lo candoroso de sus labios y la necesidad que todos tenemos en la vida de besar y amar. Está escrito en las estrellas. Atención a la introducción y a los acordes andalucistas que teóricamente avocarían a los vieneses los sones de la música norteafricana. El estribillo de la canción es realmente irresisitible, uno de los valses más bellos de los que he escuchado nunca.

Besad y amad.

::este jueves, un chotis en la filmoteca::

2007-09-17T22:30:00.001+02:00

Yo, como siempre, proponiendo planes y arreglando las tardes-noches al personal. En esta ocasión os quería decir que el jueves que viene, día 20 de septiembre, a las 10 de la noche en la Filmoteca tendremos los que estemos por los madriles la ocasión de ver la película Rosa de Madrid.

El título seguramente os suene, pero no por el film -que nunca se ha pasado por televisión-, sino por el mítico cuplé-chotis que empieza con eso de "Nacida en el Madrid de la Bombilla..." y que tiene uno de los estribillos más irresistibles de cuantos cuplés existan: "Y decían al mirarme tan dichosa, es Rosa de Madrid, es Rosa de Madrid...". De esta canción os cuelgo mi versión preferida, la que grabase Margarita Sánchez a principio de los años 50. La canción había sido creación de la gran Merceditas Serós, rival de Raquel Méller, y sus autores eran Soriano y Luis Barta. La letra es de Luis Fernández Ardavín, quien escribiera la obra de teatro homónima estrenada en el Arriaga de Bilbao en 1925. En la cinta actúa una jovencísima Conchita Montenegro, la primera española en conquistar Hollywood, una primera Penélope Cruz morena y de ojazos negros que se dedicó a escandalizar al mundo entero con pelis subiditas de tono y donde solía encarnar papeles de mujer fatal. En su memoria, ya que murió el pasado mes de abril con casi 100 años de edad, la Filmoteca programa esta película.

Rosa de Madrid, la obra de teatro, la peli de 1926 y el cuplé, nos cuenta la historia clásica de la mujer que siendo buena se pierde por cosas de la "dibilidaz". Luis Fernández Ardavín, de paso, aprovecha para escribir uno de los actos de amor a Madrid más decadentes pero con más encanto de época de cuantos se hayan escrito. Ardavín posee un verso desmesuradamente elegante pero a la vez de fácil comprensión y coloquialidad. La película es muda, la dirigió su hermano Eusebio Fernández Ardavín, uno de los directores referentes del primer cine español, y supongo que será rigurosamente fiel a la obra original pero cargada de los detalles geniales con los que este director solía colorear sus filmes (maravillosas sus panorámicas sevillanas en La reina mora.) El papel de la familia-emporio Ardavín en la prehistoria del cine español es interesantísimo; fueron productores, guionistas, directores y cartelistas de decenas y decenas de filmes, la mayoría de rotundo y memorable éxito como La bejarana -de nuevo una adaptación de un libreto de Luis- o El negro que tenía el alma blanca que llegó a tener un remake en los años 30 con Conchita Piquer como protagonista.

Ya lo sabeís, si quereís daros un paseito el jueves por el Madrid de los locos años 20, tararear el "Soy Rosa de Madrid, soy Rosa de Madrid" y, si eso, hasta emocionaros con la historia de Rosa, Miguel y Enrique, pues pasaros por la Filmoteca y disfrutad de una cinta que no todos los días uno puede ver. Yo, después de soltaros todo este rollo, confieso que no podré ir a verla porque el mismo día tengo la primera asamblea de curso de liberACCIÓN, así que desde el Marx Madera, donde nos reunimos, nos bailaremos un chotis en vuestro honor. Espero que si alguien va a verla nos deje aquí sus comentarios cupleteros.

::mis heroínas preferidas (IV) - la reina de la noche::

2007-09-14T00:18:00.000+02:00

Lo prometido es deuda así que continuaré con mi serie de heroínas. De la que hoy voy a hablar realmente no estoy muy seguro de que sea de mis prefes, pero ha sido algo personal con un amigo que sé que la adora -bueno, dos amigos son quienes la adoran, además tocayos...

La Reina de la Noche, de La flauta mágica, no sabemos bien quién es. Tenemos una escenita en que un príncipe corre delante de una serpiente gigantesca... aparecen las tres damas de la noche, le salvan, se lo quieren rifar muy vampirescas ellas, pero resulta que éste se despierta, y de no se sabe dónde aparece un señor vestido de loro que se llama Papageno. Después de unos dialogitos se abre la tierra y se nos presenta una señora pintada de plateado y que se hace llamar La Reina de la Noche. Mozart, para que quede bien claro que es una super reina la escribe un "aria de entrada" sobrenatural, espeluznantemente difícil pero de una belleza sin parangón. Se trata del "O zittre nicht" ("¡oh, no tiembles!"). Resumiendo, que la Reina hace to´el lío al principito Tamino y a ese señor al que le mola vestirse de ave del paraíso gigante 1:80 porque dice que así se cazan mejor los pájaros. Ambos deberan ir a salvar a la princesa Pamina, cautiva del Rey del Dia, el gran Sarastro.

Mil enredos y triunfo del día sobre la noche, del bien sobre el mal. Happy end memorable y el hombre-loro con una mujer-lora llamada Papagena rodeada de Papagenitos, ¿era realmente necesario? Yo me conformaba con el Papageno soltero... entre tantas plumas ya no sé si la heroína es la reina o el loro.

Para Mozart esta zarzuela (bueno en alemán, singspiel... una obra cómico-lírica con partes habladas y cantadas) supuso una de sus más altas creaciones y uno de sus más geniales triunfos en el ámbito de la música teatral. Se estreno en un teatro popular como era por entonces el Auf der Wieden el 30 de septiembre de 1791. Al pobre Wolfi le quedaban apenas dos meses de vida pero supo terminar con una mágica risotada final. Cuento de hadas, brujas, pruebas de fuego y agua, hechizos y cantinelas que nunca cansan.

¿La moraleja?... Apártate de los señores a los que les gusta vestirse de pavo real, no están bien de la cabeza, sólamente te traerán problemas.

Os cuelgo dos vídeos con las dos arias de la Reina de la Noche. La primera es la que os he comentado; la segunda es la más conocida y popular, cuando entrega a su hija la espada y la solicita que asesine a Sarastro -por favor que intervenga el defensor del menor-. A pesar de su aparente dificultad es sabido que para las intérpretes la primera presenta más obstáculos. En cualquier caso las dos son de fuegos artificiales y de cierto carácter de nocturnidad que las hacen, en cualquier caso, mágicas. Canta Diana Damrau, una de las Reinas más notables de actualidad. La locura en la primera empieza hacia el minuto 3:30. En la segunda da comienzo hacia el 2:15 -se incluye el parlato anterior-.

::zarzuela y teoría queer::

2007-09-13T00:27:00.001+02:00

La señora capitana
juguete cómico-lírico de Jackson-Veyán
música de Quinito Valverde y Barrera
(sobran las palabras)

::zarzuela para mentes berlinesas en madrid::

2007-09-12T00:04:00.000+02:00

Marina Bollaín, ¿les suena ese nombre? Posiblemente el apellido sí... Pero hoy no hablo de la afamada cineasta, sino de su hermana gemela Marina que, dicho sea de paso, admiro y sigo en la medida de lo que me resulta posible.

Resulta que Marina estudiaba como soprano en la Real Escuela Superior de Canto de Madrid pero lo de aquí no le iba mucho... marcho para Alemania, echó un ojo y se dijo: "yo sé lo que les va a gustar a estos salchicheros". Estudió, cantó y decidió dar el cante rompiendo moldes en lo espectáculos antológicos de zarzuela estrenando en 2001 en Berlín su espectáculo Adiós, Julián. El título hace referencia a uno de los versos de La verbena de la Paloma, sainete del que se cantan varios números junto a otros memorables títulos como La revoltosa, La tempranica, El niño judío, etc.

En Madrid, en el verano de 2006 pudimos disfrutar de su maravillosa visión sobre La verbena de la Paloma para el Hebbel-Theater berlinés(como versión, ella la tituló Noche de verano en la verbena de la Paloma, aquí no se engaña a nadie.) En el Auditorio de El Escorial hubo gente que se levantó crispada al grito de "¡Esto no es zarzuela!" y otros, sencillamente, nos dejamos seducir por su rabiosa contemporaneidad pero a la vez magia teatral pura y dura que sólamente una mente como la de Marina podía conseguir.

El jueves -¡a lo que vamos!- se estrena por fin en Madrid, en el Teatro Albéniz, su Adiós, Julián y no quería dejar pasar la oportunidad de animaros a que acudaís y que disfruteís con una "zarzuela de zarzuelas" donde se reflexiona en torno al papel de la mujer en el género y en la que, por lo visto, tendremos más de una sorpresa. Pobres los que acudan a un teatro sin querer ser sorprendidos... que hay más de uno en esto de la lírica española, creedme.

Estará del jueves al domingo. En Atrápalo.com teneís entradas de patio de butacas desde 10€ (¡no está nada mal! Luego no digaís que recomiendo cosas caras, jejeje). Para atraparlas pinchad aquí mismo. En esta web parece que nada más tienen entradas para mañana y el viernes.

Más información sobre Adios, Julián en esta página.

¡Vuelve pronto por Madrid, Marina!

::la colección de zarzuela de los kioskos::

2007-09-11T00:57:00.000+02:00

Me imagino que muchos de vosotros habreís visto por tele estos días un anuncio en el que publicitan un nuevo coleccionable de Planeta Agostini esta vez dedicada a la zarzuela en DVD. Debe ser que ya se han cansado de colecciones de relojes en miniatura, muñecas de porcelana del mundo o calcetines de las distintas provincias españolas. Bueno... la trampa viene a ser la misma. El contenido se presenta bien pero, ¡ah, sorpresa!, nos venden una colección que o conoces muy bien el género o puedes acabar detestándolo. ¿Razones?

Los magníficos (¿?) asesores culturales-musicales de la editorial han considerado que en esta selecta colección tienen cabida grabaciones de zarzuela de las producidas por el señor José Luis Moreno que no se pueden definir más que como "insultos" y "aberraciones". Una pena, algo hay dentro de la serie que merece la pena, pero claro, en cuanto uno vea los tres o cuatro primeros números se puede desanimar y dejarlo por imposible. No es que yo vaya de finolis pero por ahora sólo puedo recomendaros el primer número doble de la serie: la esteticamente exquisita Luisa Fernanda de hace dos temporadas en el Real con Plácido Domingo, Mariola Cantaredo, Josep Bros y Nancy Herrera, y los dos recitales de los años 90 de Ainhoa Arteta en el Monumental de Madrid. El precio de los dos DVD es de unos 12 euros. No está nada mal.

A medida que avance la serie y según vayan mereciendo la pena los fascículos os intentaré a visar. Me da mucha pena todo esto porque se ha perdido una oportunidad para ofrecer una colección digna e interesante de zarzuela, para la gente sin prejuicios, que quiere aprender y disfrutar de la lírica hispana. Qué envidia siento cuando veo el exito de los coleccionables de El País con óperas -ninguna española, ni siquiera Marina-, música clásica o jazz. El formato disco-libro es realmente atractivo y sería, desde un medio de este tipo, un "romper con el pasado" definitivo. Pensemos el momento de vital importancia en el que nos encontramos. El Real cada vez se abre más a la gente joven y a la calle que quieren ópera... la Zarzuela se cierra y ensimisma en su formato de Teatro Nacional dentro del INAEM. ¡¡Cretinos y mangantes!!

Yo, como joven aficionado a la zarzuela seguiré mi particular campaña desde aquí y desde donde me sea posible para que mis amigos vean que es un género que merece mucho la pena, que lo que hay que hacer es cambiar el chip y abrirse a disfrutar de maravillas como esta...

Dúo de Luisa Fernanda y Javier por Montserrat Caballé y Plácido Domingo

Escuchando esta música me conmuevo. ¿Será la letra? Quien no ha sentido alguna vez lo mismo que Luisa Fernanda? "Venir el amor, cuando no puede ser". Este dúo fue uno de los culpables de que me volviese loco por la zarzuela y por eso me apetecía brindároslo. Si quereís saber más sobre tan preciosa obra no teneís más que bajar a vuestro kiosko y haceros con ella... no aseguro que no termineís con una lagrimita en los ojos.

::muere pablo sorozábal serrano::

2007-09-09T15:30:00.000+02:00

El día 6 de este mes ha fallecido Pablo Sorozábal Serrano, hijo de Pablo Sorozábal y junto al que compuso una de las comedias musicales españolas más bellas y que duerme el sueño de los justos desde su estreno en 1958: Las de Caín, sobre la popular pieza teatral de los hermanos Álvarez Quintero. Padre e hijo querían componer una obra lírica con su algo de sainete madrileño pero que sonase, a la vez, moderna y cosmopolita, para todos los públicos del mundo. Lo consiguieron, no cabe duda. El éxito fue grande pero la obra no duró mucho en cartel. Eran malos años para la lírica y el público quería cada vez más repertorio clásico y dejarse de innovaciones. Una pena, ¿qué hubiera podido ser si padre e hijo hubieran vuelto a colaborar creando una zarzuela tan original, divertida y luminosa como Las de Caín?

Llamé por teléfono a Sorozábal Serrano hará año y medio... su corazón no se encontraba bien y no quiso concederme una entrevista. Me hubiera gustado charlar con él sobre Las de Caín, ¿qué era componer junto a un monstruo de nuestra música como Sorozábal padre? ¿Cómo se escribe una zarzuela tan genial?... En fin, me quedé con las ganas. Hubiera sido el momento de hablar de la actual revalorización de las comedias líricas de Sorozábal en el Teatro Español (La eterna canción, Adiós a la bohemia, Black el payaso). ¿Qué pasa con Juan José, la ópera del maestro que aún no se ha estrenado?...

En Rebelión Carlos Fernández Liria ha escrito una humanísima semblanza sobre Sorozábal Serrano que os animo a que leaís.

Mi homenaje desde este blog no puede ser otro que invitaros a escuchar un número fabuloso de Las de Caín de "los dos Sorozábal". Para escucharlo debeís pinchar aquí.

Sorozábal Serrano había nacido en 1934. Ese año, en el cine-teatro Fuencarral Sorozábal padre estrenó una de sus más brillantes creaciones, el sainete madrileño moderno y republicano La del Manojo de Rosas. En la cabecera de la partitura escribió el maestro:

A mi hijo Pablo, que vino al mundo a la vez que esta partitura.

Sin duda todo un regalazo. Esperemos que ahora, allá donde estén, en el cielo de los rojos o donde sea, estén cantando la zarzuela que le regaló su padre o componiendo nuevas comedias como Las de Caín.

Padre e hijo junto a Lola Rodríguez de Aragón,
directora de la Zarzuela en 1958 y que participó activamente
en la creación y estreno de Las de Caín.

::curro el de lora regresa a madrid::

2007-09-08T00:54:00.001+02:00

Hoy, 8 de septiembre de 2007, tendrá lugar la re-encarnación de una zarzuela que no se representa desde que se estrenase en el Teatro Apolo de Madrid en 1925. Se llama Curro el de Lora, su libro es de Tellaeche, Góngora y la música, ni más ni menos, que de ese monstruo del teatro musical que fue el maestro Francisco Alonso, autor, entre otras de La linda tapada, La calesera, Me llaman la presumida, La parranda, Las leandras, Las de Villadiego, Luna de miel en El Cairo... ¿os suenan? Uno de los compositores de oficio más grandes e imponenetes que ha dado España, no cabe duda, autor de inolvidables piezas y que en todas sus obras demostró un arte finísimo, un melodismo insuperable, una orquestación preciosa... Sabía adaptarse a todos los géneros, desde la comedia musical jazz estilo americano de Luna de miel... al zarzuelón regional como La picarona.

En Curro el de Lora Alonso parte del referente de la Doña Francisquita (1923) de Amadeo Vives con la que había resurgido definitivamente el género grande, zarzuelas en más de un acto. Alonso, con su Curro, se plantea construir una zarzuela pero con pretensiones que trascienden por momentos del ámbito de lo cómico-lírico de la zarzuela y que se acercan estéticamente a la ópera -gran concertante final, el dúo entre la gitana y Loliya...-. Pero los momentos realmente regocijantes, en los que dices "¡este es el maestro Alonso!" son los que nos saben a zarzuela, a zarzuela de la buena. Andaluzada de gitanas y bandoleros, ¡cierto!, pero de trazo tan fino y seguro que podríamos ponerla como fondo musical de un cuadro de Romero de Torres.

De la hazaña de recuperar esta obra de su sueño -en su día no gustó del todo al público por su "solemnidad"... esperaban del maestro otro bombazo como "Banderita"- se ha encargado el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU) elaborando una edición nueva, crítica, de la obra, a partir de la propuesta de los herederos del maestro y apoyándose en la productora KL Ópera. El ensayo general de ayer ha sido todo un éxito, en el Teatro Monumental con la orquesta y coro de RTVE... la función de hoy, con público y de seguido, será un exitazo, no cabe duda. Se va a grabar en CD y DVD... Ahora sólo cabe esperar que se anime algún teatro a montarla.

Los artistazos de la proeza se llaman: José Julián Frontal, inimitable y perfecto Curro el de Lora, Elisabete Matos como Loliya, Ruth Rosique exquisita Trini, Aurelio Puente será Richemond. Juan de udaeta, además de encargarse de la edición crítica, dirige musicalmente el evento y en el ensayo, al menos, lo ha hecho con una fuerza sobrehumana... es una orquesta que se toca sola.

Suerte para todos ¡y para Curro el de Lora!

Foto del dúo cómico entre Trini y Richemond en el día de su estreno en Apolo

::una furtiva lágrima por pavarotti::

2007-09-06T19:54:00.000+02:00

... hoy ha fallecido, ante todo, una figura, un icono de la Italia del último tercio del siglo XX. Pavarotti sólo podía ser Pavarotti. Su figura, su pañuelo, su barba, su sonrisa (¡su sonrisa!)... Pero hoy el corazón ha dicho "hasta aquí" y se calló para siempre el ídolo, el hombre, la voz. Me gustaría hacer desde aquí un homenaje a uno de los tenores más brillantes que jamás hayan existido y que dio vida a personajes que sólo podemos imaginar con su voz... Rodolfo de La bohème, El amigo Fritz, Calaf de Turandot...

Hoy os dejo una de sus grandes creaciones, la inolvidable ária de El elixir del amor de Donizetti, "Una furtiva lágrima". La introducción de fagot y la breve coda suenan más tristes hoy que nunca, pero sonríamos por este cacho de tenor que siempre se mantuvo alegre y supo dar lo mejor de sí mismo hasta la despedida.

::mis heroínas preferidas (III) - lucia di lammermoor::

2007-09-05T16:44:00.000+02:00

En ópera hay heroínas que con decir su nombre, sin su apellido, ya está todo dicho. Decir Lucía es decir Lucia de Lammermoor, enrevesado título que es, para mi gusto, una de las cumbres del belcanto italiano y sin duda una de las tres mejores ópera de Gaetano Donizetti. Es, al menos, junto a El elixir del amor su obra más "mítica", por la que más se le recuerda y canta por el mundo. Hay melodías de Lucía que a todos los aficionados a la lírica nunca se nos olvidarán y que vuelven a nuestra cabeza una y otra vez por mucho que pase el tiempo. ¿Por qué? pues porque es una obra genial, perfecta en su género; un modelo de melodrama italiano romántico dentro de la corriente estética que se denomina "belcanto" y que es, para los que no saben mucho de ópera, un estilo de escribir música en el que la voz es la absoluta protagonistas. En estas óperas quienes se lucen son los cantantes en sus enormes árias, dúos, concertantes... Donizetti, a pesar de ello, fue un finísimo orquestador y en esta obra se muestra especialmente sensible con detalles de arpa y de vientos madera.

Lucia es una obra de sensibilidad extrema. El libreto, de Cammarano, se basa en el drama La novia de Lammermoor de Walter Scott, una leyenda escocesa sobre una novia que en su noche de bodas asesina al hombre con quien la han obligado a casarse y aparece loca y bañada de sangre aún con su traje nupcial. La razón de su delirio es que ama a otro, a Edgardo, de familia rival a la suya y que le es, socialmente, prohibido. El amor entre ambos es fatal... la única solución es la muerte. Lucia acabará sucumbiendo. Edgardo, cuando se entera de su estado se da muerte con su propia espada.

Momentos memorables de esta obra, estrenada en Nápoles en 1835, son el aria de entrada de Lucia, el dúo de amor, el dúo entre ella y su hermano, el sexteto concertado de la escena de la boda... pero sobre todo la escena de la locura de Lucia, puro icono operístico. Ella, su vestido manchado y el puñal. Para el estreno Donizetti añadió a dicha escena una harmónica de cristal (este instrumento de vasos de cristal que aún hay quien toca por la calle) y así crear una atmósfera alucinante y alucinada, ideal para crear esa ilusión de delirio hasta para quienes escuchan los trinos y escalas de la pobre Lucia desde sus butacas. Sin embargo muchas veces, casi siempre, se ha sustituido la harmónica de cristal por una flauta travesera pues, dicen, que el efecto en la sensibilidad era tan grande que llegabas a sentirte mal en tu asiento y que las damas más cursis se desmayaban. Yo, la verdad, creo que se debe más a la dificultad hoy día de encontrar a un buen tañedor de tán curioso instrumento callejero.

Mi Lucia predilecta en lo teatral sería Maria Callas, de una profundidad asombrosa y con una manera de decir el texto que eriza el vello a cualquiera (cómo no recordar su "al fin son tua... al fin sei mio" cuando en la escena de locura sueña que se está casando con Edgardo.) Mariella Devia -que ya se ha despedido del rol para siempre en su despedida de la Scala- fue una maravillosa Lucia. Considerables las de Sills o Sutherland. Pero buscando vídeos en el Youtube para dejaros uno me he encontrado con la de Natalie Dessay, soprano ligera francesa que sin cantar muy maravillosamente interpreta el momento con una sensibilidad exquisita. Espero que delirís con ella... por cierto, es en la versión francesa y tiene dos partes.

::mis heroínas preferidas (II) - mélisande::

2007-09-03T00:48:00.000+02:00

Había una vez un reino llamando Allemonde… en un bosque muy oscuro se encontraron una tarde Golaud, el príncipe heredero del rey Arkel, y Mélisande, una doncella que no se sabe de dónde viene ni porqué se encuentra así, mirándose en el manantial mientras llora. “Ne me touchez pas!… Ne me touchez pas!” (¡No me toques!... ¡No me toques!). Mélisande es duda y certeza. “Me han hecho daño… todos me han hecho daño”. ¿Quién es? ¿Por qué llora?

El príncipe Golaud decidió llevarla a su fortaleza y hacerla su prometida con el consentimiento de los reyes. Ella será quien sustituya a la princesa que murió dejándole a un hijo, Yniold. Pero la fatalidad y el Manantial de los Ciegos, envuelto en sombras, llevan a Mélisande a un amor fatal con el príncipe Pelléas…

A partir de aquí Debussy desarrollará la que es una de las más bellas y sobrecogedoras óperas nunca escritas. Mélisande es como el último gemir de un llanto nocturno… es luz y es sombra, es la duda eterna, el sol y la luna en constante brillar y nublarse. Golaud, símbolo del deber social y de lo que Mélisande debe respetar –el macho que la ha salvado de su pérdida en el bosque- terminará atravesando con su espada a su hermano Pelléas… Justo antes se alcanza el gran climax de la ópera, en un dúo de amor en constante crecer y en el que nos recreamos anta la poesía desnuda y simbolista del libreto de Maeterlinck.

Mélisande – Yo también te amo… (…)

Pélleas- Se diría que tu voz ha pasado por el mar de primavera (…) ¡Tu boca! ¡Tu boca!

Mélisande - ¡Sí! ¡Sí!

Pélleas- ¡Todas las estrellas caen sobre mí!

Mélisande sólo sabe decir ante el cadáver de Pélleas “No tengo valor, no tengo valor…”. Morirá al poco tiempo, dando a luz a una princesa y sin decir nunca “la verdad”, a verdado que Golaud la pide insistentemente a lo largo de toda la obra y que nunca llegará a escuchar de sus labios. “Es el turno de la pobre pequeña”.

Desde lo más profundo se desarrolla este cuento de símbolos y olor a susurros que Debussy estrenó en 1902 (¡el mismo año de “Adriana Lecouvreur”!) en la Opèra Comique de Paris. El escándalo fue monumental por cierta escena en la que Yniold ve subido en los hombros de su padre a Pelléas y Mélisande haciendo el amor y lo describe a su padre cornudo -muy poéticamente, eso sí-. El escándalo, realmente, se debió a un libreto que destrozaba los pilares sobre los que se sostenía la sociedad francesa liberal y burguesa de principios de siglo. La música de Debussy resultaba demasiado exquisita, demasiado importante para una sala donde se esperaban obras frívolas y fáciles de entender.

Hablando sobre esta ópera, mi favorita quizás… y escuchando a una de mis heroínas preferidas me despido por hoy… Dejaros llevar por su irresistible encanto y voluptuosidad. Cuelgo el vídeo de uno de los encuentro de los míticos amantes… ella canta una canción y él quiere acariciar sus cabellos…

::mis heroínas preferidas (I) - adriana lecouvreur::

2007-09-02T13:21:00.000+02:00

Hoy comenzaré -espero continuar toda la semana- una cadena de posts acerca de mis heroínas preferidas. La mayoría, supongo, serán personajes de óperas... quizás alguna de zarzuela, pero es que la ópera, para esto de las emociones al límite, son ideales. La zarzuela es mucho más "como la vida misma"... tiene la fuerza de lo cotidiano, aunque por supuesto que hay excepciones y las comentaré en su debido momento.

Hoy os quiero contar la historia de la mítica Adriana Lecouvreur, una actriz francesa del siglo XVIII que fue protagonista de una ópera que, si bien hoy no es muy representada, al menos conserva el perfume de las obras que fueron escandalosamente exitosas en su tiempo. Adriana fue estrenada en el Teatro Lírico de Milán en 1902 y su compositor era Francesco Cilea, uno de los máximos representantes de la corriente musical verista (en ópera el verismo viene a ser lo que el naturalismo en literatura.) El libretista era Arturo Colautti y se basó en la obra de teatro homónima de Scribe y Legouvé.

La Lecouvreur fue una actriz de la Comédie Française -debutó en 1717- y fue íntima amiga de Voltaire. En la ópera de Cilea nos cuentan sus amoríos con Maurice de Saxe, conde de Sajonia, y su rivalidad con la mala malísima de la historia, la Princesa de Bouillon. El enredo amoroso es complicado y enrevesado, pero hace que mantengas la atención y que no te aburras en ningún momento. Los encuentros entre ambas protagonistas son memorables, así como el dúo de amor, el ária de tenor y, por supuesto, las dos grandes arias de Adriana.

La obra termina como solo podía terminar un operón trágico y apasionado. A Adriana, que cree que su amor con Maurizio ha terminado en el acto anterior, le llega un ramito de violetas seco -lo conservaba de cuando se amaban- en un cofre con una carta para ella. Adriana se encuentra mal... llega Maurizio, se aman, se desean... pero el ramito de violetas conservaba un mortal perfume que la Princesa había depositado en él. A Adriana no le queda más que delirar creyendose en la escena y morir en brazos de su amado Maurizio.

Me despido por hoy... Ójala podamos ver pronto en el Teatro Real la historia de Adriana Lecouvreur. En Madrid no se representa desde 1988 -¡casi veínte años!-. Mientras tanto podemos ver en este vídeo a Marcella Pobbe cantando la famosa ária de entrada de Adriana, "Io son l úmille ancella". Va vestida de Melpomene, personaje de la obra que está ensayando. En este ária se muestra como absoluta sierva del arte y de la poesía.

Si quereís ver más:

-Vídeo de la Caballé cantando el ária de las flores, cuando respira su mortal hedor y cree que todo con Maurizio ha terminado.
-Vídeo del dúo del primer acto entre los amantes.
-Fedora Barbieri en el ária de la Princesa...

::¡¡celebración del día blog!!::

2007-08-31T14:44:00.000+02:00

... Hoy ha llegado el "Día Blog", 31 de agosto... y debo seguir la cadena por los "premios" obtenidos en dos blogs amigos, el de mi amigo Curro y el de la mejor Kabila de la net. Ambos sitios nos hablan del mundo en el que vivimos, cada uno a su manera, pero recomiendo a todo el mundo que les visiten para ver un poquito hacia dónde vamos y ¡vaya! las cosas que no nos gustan y vamos a cambiar. Con gente como ellos se hace cierto eso de que otro mundo es posible.

Pero no me enrollo y daré mis cinco premios blogeros del día.

1)La Vieja Aswad una vedette de La Macha, mentora especial de este blog y que desde su espacio nos ha enseñado mucho sobre revista, music-hall y Lina Morgan. Esperemos que vuelva pronto a su espacio, actualmente actualizado por la propia Olga María Ramos. El estilazo de Aswad era "otra cosa". Imprescindible revisar el histórico de posts.

2)Emperatriz del Aldebodal un lugar hecho a la medida de cualquier elfo, pony y hada maravillosa. El sitio de mi amigo Jacobo, donde nos ofrece por folletines su mágica novela de Trunck y Suaga. Un sitio tranquilo y realizado con el material de los sueños.

3)La Gazzetta Belcantista para los amantes de la ópera , en general, la buena música. El blog de un chaval malagueño que cuelga óperas para que la gente se las baje. Explica sus argumentos, compara versiones, analiza los aspectos fundamentales de cada título. Una pequeña enciclopedia que debe estar en vuestros favoritos.

4)Resumen de Bitácoras... el sitio de Javi... porque él es así. O le tomas y le amas o le dejas y le apaleas, jejejeje.

5)El jardín cerrado una bitácora donde cabe de todo siempre que tenga el sello de calidad y cultura. Lo mismo puedes leer sobre buena música que sobre novelas de Emilio Carrere o los planes urbanísticos de principio de siglo en la Ciudad Lineal. Esperemos que se actualice con mayor frecuencia pero que siga en esta línea.

Esto es todo amigos... Hoy no os puedo dejar sin un vídeo de rigor. En este caso, y para celebrar el día, y la Nochevieja de esta noche, nada mejor que el bridis de La traviata (un pequeño homenaje, además, a mi madre, que adora esta pieza y todas las Nocheviejas, después de las doce campanadas nos hace bailarla en el salón de mi casa...

::¡mañana es nochevieja!::

2007-08-30T12:40:00.000+02:00

Como lo lees...

... ¡y yo con estos pelos! Mañana 31 de agosto, como viene siendo ya tradicional, las personas más divertidas de la ciudad de Madrid se darán cita puntual en la Puerta del Sol a las 12 en punto de la noche para tomar juntos las uvas y despedir el verano... ¿te lo quieres perder?

El año pasado en torno a una centena de personas nos juntamos para beber sidra y cava, tirarnos confeti y cantar villancicos... Este año seremos muchos más pero faltarás tú y tus amigos si no venís.

Obligatorio llevar "algo" nocheviejero-festivo. La excusa es perfecta para luego salir de fiesta y pasarlo muy muy bien... quien sabe, quizás hasta terminemos bailando como...

::mi madre, reina de la fuencisla::

2007-08-29T12:37:00.000+02:00

Mi madre tenía 16 años, era 1971... Colegio de Nuestra Señora de la Fuencisla (¡y olé!). Los recreos eran largos y algo grises y las niñas tenían que pensar en algo para entretenerse. Una tarde, después de comer, mi madre y Alicia estaban comentando la película que habían pasado ese domingo por TVE... la enésima reposición de El último cuplé. La película, que tenía ya unos catorce añitos de antigüedad, seguía regresando a los hogares españoles una y otra vez cada poco tiempo y parecía como si nadie se cansase de verla. Sarita Montiel seguía emocionando a todos con esas canciones de Nena, El buen señor es un conquistador, Ven y ven, El relicario, etc... La belleza extraordinaria de Sara se mantenía por entonces incombustible, y el problema es que a fuerza de reponer sus films de los años 50 creimos (¡y creyó!) que siempre se mantendría igual.

En cualquier caso, a mi madre y a su amiga Alicia les gustaba ver e imitar a la Montiel y aquel día les ocurrió una anécdota digna de contar. Se colaron durante el recreo en una de las aulas y montaron una improvisada pasarela juntando pupitres unos detras de otros. Las dos, cual vedettes usaron las bufandas -¡aquellas bufandas!- como elegantísimas boas de plumas... se sacaron dos cigarros de los que se fumaban a la salida para "hacerse las mayores" y allí que se pusieron a imitar a Sara Montiel con todo el alma cantando el "Por Dios mírame"... uno de los cuplés más bellos que se escribieron en la década de los 10 y que aquí mismo os dejo colgado para que lo disfruteís en la misma versión que a mi madre y su amiguita Alicia les hizo soñar...

Los sueños de grandeza de vedette y cupletista se fueron al traste cuando entró el padre Amalio, ¡director del centro! y las pilló cantando como dos vampiresas lo de Sus pícaros ojos. El cura-que según dicen era de lo más terrible de la escuela nacionalcatólica-, se enfureció y la reprimenda fue sonada: les arrancó los cigarros de una bofetada y las castigó sin recreo no sé cuántos días. Supongo que tamaño suceso las desanimaría a dedicarse al espectáculo. ¿Qué hubiera sido de Inma y Alicia si aquel día de arte, tabaco y cuplé no hubiera terminado en desastre? Mi madre nunca llegó a ser reina del Chatecler como Sara Montiel, pero para mí siempre será la "Reina de la Fuencisla".

p.s.: Aquí os dejo colgado completo el cuplé de Sus pícaros ojos por Raquel Méller para que escucheís todas sus letras y os cautive el arte de La Gran Raquel.

p.s.2.: Si quereís ver un vídeo de Sara Montiel interpretando en los años 80 (¿o 90?) un terremoto de cuplés en una indescriptible versión... pincha aquí.

::¡al rico vaso de horchata!::

2007-08-28T11:23:00.000+02:00

¿Qué es la revista?... Sobre zarzuela, de manera rigurosa y científica, se lleva escribiendo mucho, unos quince años, pero sobre la revista aún nadie se ha atrevido a escribir ningún tipo de monografía o a analizar en toda su extensión y complejidad una selección de los títulos más representativos. Una pena, porque la revista, es teatro, teatro del bueno. Rápido, ligero, a veces algo complicado de seguir, pero siempre audaz y divertido. Es un tipo de teatro que, en principio, no pretende más que entretener y hacer pasar un muy buen rato. A sus tramas imposibles y delirantes se suman un buen puñado de números musicales -a veces más que memorables-, decoraciones y un aparato escénico deslumbrante, manadas de vicetiples y boys (como se solían llamar) y muchas ganas de conseguir el favor del público a costa de lo que sea: humor, carnes, música.

¿Tiene vigencia la revista hoy en día? Yo defiendo que sí. Frente a muchas zarzuelas que han quedado obsoletas y sobre las que pesa mucho el tiempo y la ranciedad en bastantes casos (La del Soto del Parral, El cantar del arriero, Los gavilanes...), la revista propone tramas que a veces podemos entender como un prototeatro del absurdo, repletas de onirismo, imaginación y fábula. Hay que dejarse arrastrar por ellas, verlas sin prejuicios. Creo que es un tipo de teatro tan bien medido y escrito que se puede adaptar multiples lecturas, ¡muchísimas! pero para ello, amigos, hay que tener mucha imaginación y ser un "mago" porque si no, se puede caer en lo de siempre (ver vídeo de más abajo, jeje.)

Hoy ya no existen ni Celia Gámez, ni Queta Claver y Esperanza Roy ya está mayorcita. Tendríamos que encontrar cómicos a la altura de tan complicados papeles, con el carisma necesario y tablas suficientes. Quizás un muy buen director que proceda de un medio distinto. Es un arte, el arte del humor, el de hacer que el público aguante dos o tres actos sin dejar de estar interesado, entretenido y que se ría con los chistes y situaciones propuestas. En España estoy seguro de que tenemos buenos cómicos, ¿sería muy descabellado proponer una nueve serie de revistas televisivas como las que montó en los años 80 TVE? ¿Podríamos soñar con que un teatro de la Gran Vía diera el paso y programase una comedia musical española o una revista en lugar de un nuevo My fair lady?... Demos una vuelta de tuerca a la revista y descubramos la agudeza de un género que, sin pretenderlo, configuró una manera de reír y casi diría yo, de soñar.

Os dejo un vídeo de Concha Velasco cantando y bailando (?) el pasodoble "Horchatera valenciana" de la revista Las de los ojos en blanco del maestro Alonso -prometo hablar de él y de otros compositores en otro post-. Es una obra estrenada en el Teatro Martín en 1934, con la Gámez como protagonista. Concha Velasco, después de estudiar la carrera de danza clásica y española en el Conservatorio de Madrid ingresó en su compañía y... hasta hoy. Recrearos con tan saloroso pasodoble.

::el último trago sabe a olvido::

2007-08-27T11:40:00.000+02:00

¡Gracias Chavela!

::el día pasado por agua::

2007-08-26T11:55:00.000+02:00

Ayer no escribí nada en el blog porque pasé todo el día fuera Madrid, en la casa de campo de uno de mis mejores amigos en Casar de Escalona (cerquita de Talavera, en la provincia de Toledo.) El caso es que lo que se avecinaba como un magnífico día de sol, piscina y barbacoa en el jardín acabó convertido en un no menos magnífico día de salón familiar, película de Cine de Barrio y lluvia... mucha lluvia... ¡¡Este verano está loco!!

El día, no cabe duda, fue estupendo pero me apetecía, desde aquí, agradecer a mis amigos los agradables ratos pasados y colgar una canción "intempestiva" que seguro que casi todo el mundo conoce pero que nunca viene mal recordar... la mazurca de los paraguas de El año pasado por agua, revista sociopolítica de Federico Chueca y Joaquín Valverde.

La historia es sencilla. En esta zarzuela, estrenada en 1888 en el Teatro Apolo de la c´Alcalá, aparecen una serie de personajes alegóricos que deciden presentar sus quejas contra Neptuno, y el Año Nuevo 1888 por las inundaciones terribles de 1887 que provocaron muertes y derrumbamientos en los barrios más desfavorecidos de la mayoría de las ciudades españolas.

La anédota, realmente tremenda, animó a Ricardo de la Vega a escribir un disparatado libreto hasta donde los loros hablan y se quejan, lleno de política y de humor. La música de Chueca fue, como siempre, popular, pegadiza, inspiradísima y que se quedó muy dentro de todos los madrileños por generaciones. El primer número de esta revista es la inolvidable mazurca que cantan en plena calle y bajo la lluvia una modista y Julio Ruiz, un cómico famosísimo de la época, interpretándose a si mismo... ¡¡Disfrutadla y no os mojeís... creo que hoy saldrá el sol!!

Si quieres escuchar la mazurca pincha aquí o abre el vínculo en una nueva ventana.

Portada original de la partitura con litografía del popular número

::plácido domingo... de vuelta de todo::

2007-08-24T11:43:00.000+02:00

Muy buenas a todo@s. Hoy le toca el turno a Plácido Domingo desetimada la opción ayer tras charlar con unos amigos de escribir un post acerca de "Fiorella Faltoyano y el drama wagneriano" -vamos, si os interesa un día lo escribo y quedamos en paz-. Pero a lo que voy. Soy un auténtico admirador de Plácido Domingo, del cantante y del personaje. Del cantante, ¿qué decir a estas alturas? Es gallardo, dulce, atrevido... todo eso en un chorro de voz que se nota que sale "muy de dentro" y que llega a los que le escuchamos al corazón. Es salir Domingo a escena y notar cómo todo el teatro se remueve... se hace el silencio... canta Plácido. Le he visto en un recital y encarnando roles tan dispares como el Vidal de Luisa Fernanda, Sigmund de La Walkiria o el rol protagónico de La dama de picas de Tchaikovsky. Un poco de todo... Él hizo grandes, inolvidables y yo diría que imbatibles papeles como el Don José de Carmen o el Carlos de Don Carlo y Rodolfo de Luisa Miller (conmovedor).

Si a Domingo,como personaje, se le pone algo entre ceja y ceja, lo hace. Hay quien arremete contra él diciendo que quiere acaparalo todo o abusar de su influencia. Él está de vuelta de todo ¡Su trabajo le ha costado! No es mal director de orquesta y si alguien aún tiene sus dudas le invito a que escuche la manera extraordinaria con que dirige el recital de zarzuela de Rolando Villazón que salió hace pocos meses en disco. Casi casi se escucha mejor por la dirección de Plácido que por el arte de Rolando (¡qué exagerado me pongo a veces!) Acaba de grabar un disco de coplas (¡!) y en breve le veremos en un capítulo de Los Simpson.

Este año -no es la primera vez que interpreta ópera barroca- le ha dado por incorporar el papel de Tamerlano en la obra homónima de Händel a su repertorio... no está mal, teniendo en cuenta su edad y que el rol, a priori, no le pega ni con sindeticón. Pero aguardemos, Domingo nunca es predecible. Es un actorazo que estoy seguro que conmoverá, por lo menos, con su recreación de tan trágico personaje. El año que viene, asímismo, continuará con su campaña en pro de la zarzuela paseando su Luisa Fernanda y la llevará a Viena. Tiene previsto para 2009 hacer Curro Vargas en homenaje a Chapí en su centenario en la ópera de Los Ángeles. ¡¡Bravo!!

Lo de su pasión por la zarzuela, él siempre lo dice, le viene de sus padres, Pepita Embil y Plácido Domingo "padre". Ambos artistas se conocieron estrenando una zarzuela de Federico Moreno Torroba titulada Sor Navarra, y fueron popularísimos en México a donde marcharon cuando en la España de posguerra era casi imposible prosperar en el terreno teatral. No estaba el horno para bollos. Os dejo un vídeo impresionante donde Domingo canta la mítica jota del "Te quiero" de la zarzuela El trust de los tenorios de José Serrano.El público entra, literalmente, en éxtasis.

Por todo esto y por lo que venga, ¡¡BRAVO DOMINGO!!

::te he de querer mientras viva::

2007-08-23T11:16:00.000+02:00

Yo siempre había sido "muy de Concha Piquer". Creía que era única, que era la mejor, la reina de todas... y es cierto, lo es. Pero hace pocas semanas descubrí a la princesa, a la que teniendo voz de niña podía desgarrarte el corazón con coplas escritas a su medida por Quiroga y que llevaban sus cualidades canoras impresionantes al extremo -¡por no hablar de las teatrales!-. Hablo de Marifé de Triana, para mí una auténtica virtuosa por saber "decir" la copla pero, además, por vivirla como pocas y por conservar siempre una línea de canto impecable, que no decae, que es fresca y nunca cansa. Conchita Piquer poseía un instrumento menos cualificado pero la ganaba en elegancia... Marifé por su aliento, por su línea, insisto, por su jondura nítida es y será imbatible.

De ella hay mil ejemplos: "Tengo miedo", "La loba", "María de la O" (quien mejor la cantó), "Rosa de Capuchinos"... Pero hoy quiero ofreceros una zambra de estas que a uno le abren las entrañas: "Te he de querer mientras viva". Hartos de gitanas arrastradas de Manuel Quiroga que quieren encerrarse en una "cárcel de oro" o en "dime que me quieres"... doloridos por una muchacha que cantaba "a la lima y al limón" abrazada a un señor de cincuenta y junto al que "no lucía" en esta copla escrita por Carlos Cano descubrimos a una mujer a la que no le importa qué diga la gente. Ella sólo sabe que le quiere a pesar de la edad y se lo hace ver una canción que viene a ser, posiblemente, una de las declaraciones de amor cantadas más arrebatadoras de la historia.

Por mi salud, yo te juro
que eres pa mí lo primero,,,
Y me duele hasta la sangre
de lo mucho que te quiero.

No se me importan tus canas
ni el sentir de los demás,
lo que me importa es que sepas
que te quiero de verdad.

Soy de tus besos cautiva.
Y así escribí en mi bandera:
Te he de querer mientras viva,
compañero, mientras viva,
y hasta después que me muera...

::¡hay que ver, hay que ver!::

2007-08-22T11:32:00.000+02:00

El Maestro Guerrero fue "un tío majo". Siempre que se escribe de él se le denomina como "campechano", "popular", "entrañable"... Aunque era toledano, de Ajofrín, desde muy joven se vino a vivir a Madrid y aquí fue digno heredero del más popular de los compositores, Federico Chueca, que había dejado huérfano a "su" Madrid en 1908. Guerrero llegó en 1914 y en 1920 ya obtuvo su primer exitazo en el Teatro de La Latina: La Pelusa, o el regalo de los Reyes. Después vendrían muchos, muchísimos otros... La alsaciana, El huesped del Sevillano, Los gavilanes, La rosa del azafrán. Infinidad de memorables revistas: Cinco minutos nada menos (¡cuatro años en el cartel del Teatro Martín!), El sobre verde ("Soy la garçon, con, con... con el pelo cortao"), La blanca doble...

Pero hoy quiero hablar del escándalo de La montería, zarzuela que estrenó en 1922 en el Teatro Circo de Zaragoza y que consiguió traer a Madrid el 23 de enero de 1923 a la Zarzuela. La bomba-Guerrero estaba bien preparada.

Lo que más le gustaba a Don Jacinto -incluso antes que la música- era las mujeres... Para el papel de la cómica seleccionó a Victoria Pinedo, bellisíma y con buena voz. Para ella, como solía hacer con todas las tiples cómicas de sus obras, escribió un número de lucimiento en el segundo acto y... ¡la bomba sonó pero muy fuerte! Fue el mítico tango-milonga del "¡Hay que ver!" y que pronto intoxicó a todo Madrid con sus síncopas y letra pegadiza. La epidemia llegó a ser tan grande que en carnavales, cuando la Zarzuela se convertía en principal baile de máscaras de la ciudad, se trasladaron al Teatro de la Princesa (el María Guerrero de hoy) y la fiebre por el "Hay que ver" atrajo a un teatro que no era musical a centenares de personas que lo seguían abarrotando día y noche. A la gripe de ese año que, por cierto, dejó a unos cuantos centenares de muertos, se le llamó "La montería"... como ocurriese años antes con el "Soldado de Nápoles" de La canción del olvido. Si quieres escuchar el "¡Hay que ver!" no lo dudes y pincha aquí.

Guerrero supo jugar bien sus cartas. Popular y populista, desde el día de su estreno en Madrid y previendo lo que podía ocurrir, hizo pintar un telón enorme con la letra del cuplé y una foto de la Pinedo para que en el intermedio, cuando vuelve a sonar el número pero sólo instrumental, todo el público cantase. Se dice que él volvía el atril y se ponía a dirigir al público tan ricamente desde el foso... ¡Así cualquier, Guerrero!

Guerrero murió en septiembre de 1951 pero antes tuvo tiempo de ser empresario, de levantar el Edificio Coliseum de la Gran Vía, de ser concejal del ayuntamiento de Madrid, de escribir música para cine, un poema sinfónico a su Toledo... Un personaje que hasta ahora no ha empezado a ser realmente considerado por haber sido, eso mismo, un personaje "nuestro", de los humildes, de los que amamos la música sin contemplaciones, porque nos gusta y porque no nos da la gana dar explicaciones. Sus canciones no aspiraban a más que a hacer feliz a las cocineras y a hacer bailar a los que se dejaban caer por boites, cabarés y verbenas. Disfrutemos con su estilazo y dejémonos arrebatar, como hicieran nuestros bisabuelos, por el "¡Hay que ver!" de La montería.

::de la plaza del rey a broadway::

2007-08-21T00:40:00.000+02:00

El Circo Price

Hoy os voy a proponer un viaje...

Esta tarde he estado con un amigo un largo rato en la Plaza del Rey hablando de música y de teatro. Siempre me ha gustado esa plaza por la solera que luce. En pleno barrio chispero (así se llamaba a los habitantes de la calle Barquillo y sus alrededores, la mayoría herreros... "chisperos"), la Plaza del Rey tuvo hasta 1971 un bellísimo teatro en lo que ahora es el Ministerio de Educación y Cultura -antes un banco-. Era el Teatro Circo Price y en él, allá por 1850-51 unos locos llamados Barbieri, Gaztambide, Salas, Olona, Hernando y varios más arriesgaron todo su capital en recuperar, frente a la hegemónica ópera italiana y al Teatro Real, la "zarzuela".

Se demostró que en castellano se podía cantar igual que en italiano, que no sonaba mal (el debate existió y corrieron ríos de tinta sobre el asunto). Esas zarzuelas "románticas" o "modernas" de españolas tenían poco... eran como óperas cómicas, con partes habladas y cantadas que musicalmente hablando "sonaban" bastante francesas e italianas. Un ejemplo es la popular Jugar con fuego de Barbieri, que llevaís meses y meses escuchando en un anuncio de televisión de una aseguradora. Os animo a escucharla por Pilar Lorengar en una bellísima versión.

(Os recomiendo que abraís los vínculos en ventanas o pestañas nuevas)

En 1971 se decidió que el Price se podía demoler y en fin... siempre nos quedará el bar de al lado, que nos recuerda qué hubo allí con su simpático nombre de "El Circo". En Price actuaron los mejores artistas españoles y del extranjero. Me gustaría hacer un pequeño homenaje desde aquí a una de mis cantantes flamencas preferidas, Las Niña de la Puebla, de la que pongo una foto, que cantó en variadas ocasiones en el Price y que debió conmover a todo Madrid con su voz de plata oxidada con sus incomparables campanilleros. Os recomiendo que los escucheís... magia pura.

Pero en la charla de esta tarde hemos terminado viajando a Broadway en el tiempo. Charlando, charlando hemos comentado que a Madrid se acerca una nueva producción de Jesucristo Superstar, que se va a reponer La bella y la bestia de Disney, muy a nuestro pesar (¿por qué no traer de una vez El rey león o Mary Poppins que han sido exitazos en Londrés y NYC?). En fin. Hace poco estuve en el Centro Cultural Conde Duque viendo un muy interesante Porgy and Bess de Gershwin y he empezado a soñar con los musicales americanos de los años 20 y 30. De verdad... dejémonos de tanta morralla de musicales absurdos sobre Mecano y el Dúo Dinámico .

En los años 20 y 30 gente como Gershwin pusieron música a delirantes obras de teatro llenas de ingenio e ironía a lo Joseph Kesselring que, por cierto, no tardarían en influír en las revistas españolas y humoradas cómico-líricas como Las Leandras. Musicalmente sorprenderían a más de uno que piense que serían piececitas ligeras plagadas de fox, charlestones y jazz. Los había, sí... pero hoy quiero enseñaros una balada preciosa de la "musical play" de los hermanos Gershwin titulada Oh, Kay! Ahora un sello americano está grabando algunos de estos títulos que espero atraigan la mirada tanto de los aficionados a los musicales pop como a los que creen que todo en George Gershwin empieza y termina en Porgy and Bess y el aria de dicha ópera, Summertime.

George Gershwin

Os dejo con "Someone to watch over me", canción de Kay del acto primero de Oh, Kay! (1926). Fue cantada entre decenas de artistas por Sinatra, Simone... En la wikipedia tiene su entradita, pero yo os la dejo aquí colgada para que la saboreeís tranquilamente en vuestra casa mientras os dejaís caer por el Tin Pan Alley y la Broadway Street, en la que no sé si habrá muchos chisperos, pero en la que hoy, escuchando esta melodía me encuentro como en casa.

::maria callas was here (II parte)::

2007-08-20T16:08:00.000+02:00

Lo prometido es deuda... Acabo de llegar a Madrid después de uns fabulosos días en Els Regers (Tortosa - Tarragona) y corro raudo a dar los detalles sobre el concierto de 1959 de Callas en Madrid. Fue exactamente el 2 de mayo, en el Teatro de la Zarzuela y el programa fue el siguiente:

- Don Giovanni (Mozart) Aria de Doña Ana, Non mi dir.
- Macbeth (Verdi) Aria de Lady Macbeth, Vieni t´afretta.
- Semiramide (Rossini) Aria de Semiramide, Bel raggio lusingher.
- La Gioconda (Ponchielli) Aria del Suicidio!
- Il pirata (Bellini) Escena de locura de Imogene.

Cabe decir que desde el 29 de enero no cantaba nada; fueron, precisamente, la función que ofreció en Washington, en el Constitution Hall, de Il pirata, en aquellas fechas uno de sus caballos de batalla (el 27 lo había cantado en el Carnegie Hall de NYC y la escena de locura la volvió cantar, después de la visita a España en Hamburgo, el día 15 de mayo, concierto disponible hoy en día en DVD de EMI y que todo aficionado debería tener). Por cierto, que en 1958 -a lo mejor se equivoca quien da el dato en tl YouTube- parece que también estuvo unos días en Madrid como atestigua este vídeo... ¿Alguién sabe algo?.

El día 5 de mayo cantó en el Liceu de Barcelona un programa radicalmente distinto demostrando su carácter asombroso de soprano assoluta y sin ningún temor vocal (ni de Dios) a la hora de enfrentarse en un mismo programa a:

- Don Carlo (Verdi) Aria de Isabel de Valois, Tu che la vanità.
- Mefistofele (Boito) Aria de Margarita, L´altra notte.
- El barbero de Sevilla (Rossini) Aria de Rossina, Una voca poco fa.
- Tosca (Puccini) Plegaria de Tosca, Vissi d´arte.
- La bohème (Puccini) Vals de Musetta, Quando me n´vo.
- Hamlet (Thomas) Escena de locura de Ofelia.

Así... como se suele decir, "con un par"... junto a belcantismo del duro se cantaba Puccini o el Don Carlo y terminaba con los fuegos artificiales del Hamlet de Thomas -ópera que reconozco no conocer completa y que ya va siendo hora de incarle el diente.

Quisiera ver a más de una tipeja de hoy en día logrando proeza tal, jeje. En fin, me voy a dormir un rato la siesta y espero que disfruteís con los links que os he dejado de cada "canción" para quien no las conozca; todas merecen la pena aunque lamento que no podamos escucharlas en todos los casos por La Divina.

p.d.: ¿¿Existirán grabaciones piratas de los conciertos del Teatro de la Zarzuela o del Liceu?? ¿¿Los radió RTVE??... Prometo hablar otro día del recital que dio en el Palacio de Congresos de Madrid en 1973.

Maria Callas en "Medea" de Pasolini

::maria callas was here::

2007-08-19T23:00:00.000+02:00

... Por supuesto que la sociedad madrileña de los años 50 pudo disfrutar -aunque fueran unos pocos privilegiados- de la presencia por un día de La Divina en el el Teatro de la Zarzuela. Ahora no estoy en Madrid, y prometo dar completa información en unos días cuando regrese para indicar exactamente el programa que cantó y la fecha exacta del evento.

Mientras tanto aquí va un vídeo hasta ahora inédito en la que veremos a Maria hasta tocar unas castañuelas... La procedencia es, aunque parezca mentira, del programa terrible del corazón Hormigas blancas en el que se desmontaba a la duquesa de Alba. Son imágenes de una fiesta de la duquesa en la que actuó Antonio el bailarín y a la que parece que fue invitada Maria Callas... todo un lujazo.

Saludos a todos y por si el vídeo os dejó en estado de shock en este vínculo va algo de lo mejor de Callas y sin duda algo de lo mejor mejorcísimo de G. Verdi... Don Carlo una de esas óperas en las que se estudia el alma humana en toda su profundidad. En esta escena del último acto hay que imaginarse el claustro del monasterio de Yuste. Isabel de Valois reflexiona ante la tumba de Carlos I y se debate entre el amor por el principe Carlos y el deber como esposa del rey Felipe II.

La historia real, como la vida de María Callas, fueron mucho menos poéticas de lo que los cuentos rosas nos contaron... y que se lo digan a los de Flandes o al propio Don Carlos, que acabó encerrado y enfermo en lo que es una imagen muy distinta a la que Schiller o Verdi nos acostumbraron.

Saludos y me voy a ver si gana el Madrid.

Maria Callas y Pasolini más playeros que nunca

::propósitos y despropósitos::

2007-08-19T13:10:00.000+02:00

Nunca he tenido un blog... ya iba siendo hora pues la inmensa mayoría de mis amigos poseía uno parecido, o un myspace, o un flicker, o un fotolog etc., etc...

Siempre dije que para ser dueño y editor de un blog hay que tener, ante todo, un ego bastante subidito, ¡pero qué tontería! Me apetece escribir en este espacio sobre lo que más me gusta: el teatro musical. Aquí me gustaría -según me vaya dando tiempo- charlar con todos vosotros sobre zarzuela (una de mis locuras), sobre ópera (otra charada que me encanta), sobre musicales, sobre el maravilloso mundo de la revista... sobre cuplé, sobre coplá, sobre music hall... ¡aquí entra de todo!

Pido disculpas de antemano si alguna vez se me va la olla y me da por hablar del mundo mundial en lugar de todo lo que he dicho antes, pero a veces uno da pa´lo que da.

Espero que disfruteís vuestros minutos ante este atril de sastre donde todo cabe y donde todos cabeís. Para bienvenida os cuelgo un vídeo de una particular versión animada del dúo de Mari Pepa y Felipe del sainete lírico en un acto La revoltosa de R. Chapí...

Cantan Alfredo Kraus y Ángeles Chamorro en una correcta y contenida versión (ella me gusta especialmente). Ambos artistazos nos legaron otras grabaciones imprescindibles: una Dolorosa y Los de Aragón magníficos, una Verbena de la paloma normalita, una Doña Francisquita básica y un Huesped del Sevillano que es, en mi opinión, la referencia.

Hasta la próxima chulap@s !!!